Gen de Art Issue 8 summer 2022 by Gen de Art

GEN DE ART JUNE 2022 Japan

“ORCHESTRA” OF KRUG CHAMPAGNE LACQUER COATING CRAFT BY ISAO ONISHI SEITARO KURODA AND JAPANESE CONTEMPORARY ART TRADITION AND CREATIVITY IN HIROYUKI KANDA’S CULINARY ART

THE

COLOURS SUMMER

Sunflowers, 1977 Oil on Canvas 182 x 170 cm Artist/ Fernando Botero

Gen de Art Published by Tokyo Fine Wines and Spirits Assoication

JUN. 2022 No.08

WINE KRUG クリュッグ

“Krug is an orchestra”. Passion, inspiration and mastery behind the Krug Champagne. 「クリュッグシャンパーニュはまるでオーケストラだ」メゾンを支える情熱、インスピレーション、傑作を作り出す技術

DOMAINE GEORGES NOËLLAT ドメーヌ・ジョルジュ・ノエラ

Philosophy, inspiration and heritage in the eyes of young winemaker of Domaine Georges Noëllat in Vosne-Romanée ヴォーヌ・ロマネのドメーヌ・ジョルジュ・ノエラ若手醸造家の目に映る想いとインスピレーション

Olivier Bernstein オリヴィエ・バーンスタイン

37 49

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Winemaker Olivier Bernstein talks of inspiration, love for Burgundy and path to success. ワインメーカー、オリヴィエ・バーンスタインが語るインスピレーション、ブルゴーニュへの愛、そして成功への道のり

FRONT COVER Woman with Lipstick, 2016 Oil on Canvas 97.8 x 78.1 cm BACK COVER The street, 2019 Watercolour, pencil and charcoal on canvas 128 x 95 cm Artist/ Fernando Botero

ART Isao Onishi 大西勲

Isao Onishi, Living National Treasure: “The key in life is light and shadow” 人間国宝大西勲「人が生きることと同じ、大切なのは光と影」

Seitaro Kuroda 黒田征太郎

The Philosophy of Seitaro Kuroda: “To draw is to try to understand life” 黒田征太郎の哲学「描くことは、命について分かろうとすること」

Takeo Obayashi 大林剛郎

Takeo Obayashi, Chairperson of Obayashi Corporation, on the Relationship between Art and the City 大林組会長・大林剛郎、アートと都市の関係性

Souun Takeda 武田双雲

The Philosophy of the Calligrapher Souun Takeda: Curiosity, Joy, and Gratitude 好奇心から「楽」の追求そして感謝へ書道家武田双雲の哲学

Culinary Art Hiroyuki Kanda 神田裕行

Hiroyuki Kanda: Unravelling the top chef’s creativity and origins as a craftsman 一流料理人神田裕行の創造性と職人としての原点を紐解く

Kenta Kayama 加山賢太

The Sensibility of Kenta Kayama, Head Chef at “Margotto e baciare” 「Margotto e baciare」料理長・加山賢太シェフの感性に刻まれた厨房の記憶

Summer Features Fukumi Shimura 志村ふくみ Japan Blue - Sacred Indigo ジャパンブルー - 神聖な藍

Hoshinoya Okinawa 星のや沖縄 A Seaside Resort Full of Okinawa Most Luxuries 沖縄で最も贅沢な海岸線に沿うリゾート

Gen de Art June 2022

WINE The summer issue starts in the French historic wine regions of Champagne and Burgundy,

known for producing the most extraordinary wines in the world. In conversation with Olivier Krug, the director of Krug Champagne, we explore the culture and true essence of

champagne, diving deep into the family history and winemaking culture of one of the most

significant champagne producers in the world. Maxime Cheurlin, head of Domaine Georges

Noëllat of Vosne-Romanée, spoke to us about his quick rise to fame and the mastery behind

his now renowned Pinot noir wines. Finally, talented young winemaker Olivier Bernstein talked at length about the importance of appreciation of Burgundy wines in his work.

夏号は世界で最も素晴らしいワインを生産することで知られるフランスの歴史的なシャンパーニュ地方とブルゴーニュ地方から始まります。クリュッグシャンパーニュのディレクターであるオリヴィエ・クリュッグとの会話のなかで、私たちはシャンパンの文化と真の本質を探究し、世界で最も重要なシャンパン生産者のひとりの家族史とワイン造りの文化を深く掘り下げます。ヴォーヌ・ロマネのドメーヌ・ジョルジュ・ノエラットの責任者であるマキシム・シュルランは、彼の名声の急速な高まりと、今では有名なピノ・ノワールのワインの背後にある熟練について話してくれました。最後に、才能のある若手ワインメーカーのオリヴィエ・バーンスタインは、彼の作品であるブルゴーニュワイン鑑賞の重要性について詳しく明かしてくれました。

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WINE

“KRUG IS AN ORCHESTRA”. Passion, Inspiration and Mastery Behind the Krug Champagne KRUG / DOMAINE GEORGES NOËLLAT / OLIVIER BERNSTEN Photo/ BEN & MARIA

「クリュッグシャンパーニュはまるでオーケストラだ」メゾンを支える情熱インスピレーション傑作を造り出す技術

Gen de Art June 2022

Founder Joseph Krug consigned the founding principles of the House to posterity in a deep cherry-red notebook. 創設者のヨーゼフ・クリュッグ氏は、深いチェリーレッドのノートで、メゾン設立の原則を後世へ残しました。

Established back in the 19th century, Krug Champagne is located at the heart of the French region of Champagne near the city of Reims. Krug expresses the true essence of champagne culture with its consistent commitment to the quality of every individual vintage and respect for the individuality of its champagnes. The house prides itself in creating uniquely harmonious champagne flavours carefully balanced for the pleasure of the customers. Olivier Krug is currently the director of the house of Krug, representing the sixth generation of the Krug family. We spoke to him about the family values in the winemaking business, the importance of an artistic outlook in his line of work and the regional expansion of the Krug champagne. フランス・シャンパーニュ地方の中心地ランス市近郊に位置する、 19 世紀創業のシャンパーニュメゾン「クリュッグ」。ヴィンテージや区画ごとのワインひとつひとつの質に一貫してこだわり、ブドウの個々の違いを尊重することで、シャンパーニュ文化の真髄を表現するメゾンです。シャンパーニュを味わう人たちの喜びのために、丁寧にバランスのとれた、真似できない調和の風味を生み出すことを誇りとしています。現在メゾンのディレクターを担う、クリュッグ家 6 代目のオリヴィエ・クリュッグ氏。シャンパーニュ造りにおける一族の価値観や、芸術的視点の大切さ、そしてクリュッグシャンパーニュの日本展開について、お話を伺いました。

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TRANSMISSION OF VALUES 9

Olivier recalls that he was interested in the business of champagne-making since he was a young child. He explains that, even though he was not allowed to enter the cellar where his father worked, as an energetic boy, he used to sneak in to feel the beautiful aromas of the wine. “For me, it was like magic. I knew as a little kid that one day I wanted to join,” – he adds. “I knew very early that champagne was a part of our life, but it was something everyone was very respectful of. On every special occasion, my dad was opening champagne and he was the only one to touch the bottle,” – Olivier recalls his early experiences with champagnes of Krug. To him, his father was the one who stimulated Olivier’s interest in the family business and inspired him to join Krug Champagne as he graduated from university with a degree in business: “I was 23 years old when my father came to me and said: “I am going to retire in 15 years, so I only have 15 years to train the team that you will be taking over.” And it was the first time he ever mentioned me joining Krug Champagne.” Olivier goes on to explain that, apart from the experience and craftsmanship, one thing that is deeply valued at the house of Krug is transmission, ensuring that the traditions, skills, and ideas on which the Krug brand is founded are passed on. “Every time someone joins Krug, the mindset is about transmitting. It may be something that I’m doing for many years, but the day I pass it on to someone, they will already be projecting themselves in the next step.”

幼い頃からシャンパーニュ造りに興味があったというオリヴィエ。父親が働くセラーに入ることは許されていなかったにもかかわらず、エネルギー溢れる少年だったオリヴィエはよくそこへ忍び込み、ワインの素晴らしい香りを感じていたのだそうです。「私にとってそれは、まるで魔法のようでした。いつかこの世界に入りたいと幼いながらに思っていました」「シャンパーニュが生活の一部であることは小さいころから知っていましたが、それだけでなく、みんながシャンパーニュに高い敬意をはらっていることにも気づいていました。特別な日にはいつも父がシャンパーニュを開けるのですが、ボトルに触れることができるのは父だけでした」オリヴィエにとってその父親こそが、ワイン造りという家業への興味をかきたてた人物。オリヴィエが経営学の学位を取得し大学を卒業するときに、クリュッグメゾンの一員になるよう背中を押したのも、父でした。「23 歳のとき、父が私のところにやってきて言いました。" 私は 15 年後に引退するから、おまえが引き継ぐチームを育てるには 15 年しかない “ と。それが、私がクリュッグメゾンに入ることについて、父が初めて口にした瞬間でした」経験や職人の技に加え、クリュッグが深い価値を置くことのひとつに、ブランドの基盤である伝統や技術、アイデアをしっかりと引き継いでいく「伝承」がある、とオリヴィエは言います。「クリュッグに新しいメンバーが入るたびにいつも、伝承することを意識しています。自分は長年やってきたことかもしれませんが、誰かに伝えた日には、彼らはもうすでに次のステップに自分を投影しているのです」

Olivier Krug

オリヴィエ・クリュッグ

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BRINGING KRUG TO JAPAN According to Olivier, the f irst challenge he was g iven as he star ted his job was introducing Krug Champagne to the Japanese market. His father thought that the best way for his son to train would be going away to a new and challenging market, as the family brand was still majorly unknown in Asia. “I did not speak Japanese. The champagne market was very small and I was working for the distributor. The beginning was challenging because no one was really interested in Krug. It was the era of cognac in Japan. It was not the champagne time,” – he recalls, adding: “I made a list of the top a hundred restaurants in Japan and decided to visit each of them at least twice to make connections.” Though success did not come immediately, Olivier says, but, thanks to his energy and perseverance, he managed to start building small points of distribution in Japan. “We started with love, and people fell in love with Krug immediately. We had Krug lovers from day one,” – he says. He adds that, in his experience, “in Japan, more than elsewhere, you have to be extremely passionate”. The passion that Olivier was able to bring to the Japanese chefs was what set him and the brand of Krug apart from the competitors. “People loved the taste of Krug because it has all kinds of aromas you could expect but it’s also very harmonious. You have these tiny bubbles; they play with your palate and on your tongue. They are elegant, so Krug is a taste for the Japanese people.” “Krug is very modern and the taste is very accessible. You don’t need to be an expert to understand our champagne. The first sip, you may be a bit intimidated. The second sip is a “wow”, as you get to experience this firework of aroma,” – Olivier continues, describing the approach he used when promoting the company in Japan. 「KRUG ENCOUNTERS」クリュッグエンカウンターズ

「日本語は話せませんでした。日本のシャンパーニュ市場はとても小さく、私は代理店で働くことになりました。始めのうちは本当に大変でした、だれもクリュッグに興味がなかったのですから。当時の日本はコニャックの時代で、シャンパーニュはお呼びではなかったのです」さらにオリヴィエは続けます。「日本のトップレストラン 100 軒をリストアップし、それぞれのお店に少なくとも 2 回は足を運んで、コネクションを作ろうと決めました」成功はすぐに訪れたわけではありませんでした。しかし、彼自身のエネルギーと忍耐強さで、日本国内に少しずつ、小さな販売拠点をつくることができるようになってきました。「愛を持ってはじめました。そうしたらみんな、すぐに

クリュッグを好きになってくれた。最初の 1 日からクリュッグラヴァーをつくりだすことができたのです」「日本では他の国以上に、熱い情熱を持っていなければなりません」と話す彼が日本のシェフにもたらした情熱は、彼自身とクリュッグというブランドを築き、他のワインメーカーをも圧倒しました。「クリュッグは、想像できうるすべての香りを持ち合わせながら、それらがとてもうまく調和している。だから人々に愛されたのです。小さな泡が、舌の上で遊び回り味覚をもてあそび、それでいてエレガント。クリュッグは日本人の口に合う味なのです」

クリュッグを日本へ

クリュッグに入って初めにオリヴィエへ与えられた課題は、クリュッグシャンパーニュを日本のマーケットに広めるという挑戦でした。当時アジアでは、クリュッグというブランド自体まだあまり知られていなかったため、父は「新しいマーケットへ飛び込むという挑戦が、息子にとって一番の勉強になる」と考えたのです。

日本での販路拡大アプローチについて、さらに続けます。「クリュッグはモダンでありながら親しみやすい味わいです。ワインのエキスパートでなくても、クリュッグのシャンパーニュを理解することができる。最初の一口は、少し驚くかもしれません。2 口目は、花火のように華やかな香りを体験し、思わずうーんと唸ってしまうでしょう」

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THE HARMONY OF KRUG CHAMPAGNES To Olivier and his family, music has long been the inspiration for creating outstanding champagnes at Krug. It was something that his father taught him, saying to Olivier on the first day of work for the company: “This job is equivalent to that of a music conductor. Krug is like an orchestra where I have to sit every year, with all the different kinds of musicians. And every year I go to the music school and I listen to the new generation.” Music has inspired Olivier to create something known as “Music Pairings” in the project called Krug Echoes. Instead of pairing champagne with food, they invite musicians who play the music that, in their opinion, matches the chosen champagne. The idea was born in 2013 when Olivier travelled to Hong Kong and met with the head of the local orchestra and asked him to pair different champagnes with different music. “I remember that we started with Krug 2000 vintage, and he said: ‘This is my pairing’,” – Olivier adds. Olivier concludes, saying that with music and champagne, “there is a dialogue between the two”, which allows the guests at Krug Echoes to truly experience the pleasure of drinking the Krug champagnes in a way that is completely revolutionary.

このアイデアは、2013 年、オリヴィエが香港を訪れ、現地のオーケストラの団長に、それぞれのシャンパーニュに異なる音楽を合わせてほしいと依頼したことから生まれました。「クリュッグ 2000 から始めたのですが、団長が “ これが私のペアリングだ ” と言ったことを覚えています」音楽とシャンパーニュ、2 つは共鳴する、と話すオリヴィエ。まったくもって革新的なかたちでクリュッグシャンパーニュを飲む喜びを心から味わうことができる「クリュッグエコー」はそんな場所になりそうです。

クリュッグシャンパーニュが

音楽をきっかけに、オリヴィエは「クリュッグエコー」というプロジェクトで「ミュージックペアリング」という概念を創り出します。シャンパーニュと料理をペアリングするのではなく、音楽家を招き、選び抜かれたシャンパーニュにマッチする音楽を演奏してもらうという、音楽とシャンパーニュのペアリングです。

奏でるハーモニー

オリヴィエとクリュッグ一族にとって、音楽は長い間、傑出したシャンパーニュを生み出すためのインスピレーションとなってきました。それは、オリヴィエがクリュッグに入った初めの日に父から教えられたことでもありました。「この仕事は、音楽における指揮者だ。クリュッグはオーケストラのようなもので、私は毎年そこで、さまざまな音楽家と席を並べる。そして毎年音楽学校へ行き、新しい世代の音楽を聴くんだ」と。

Photo/ BEN & MARIA

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WINE

Philosophy, inspira

KRUG

DOMAINE GEORGES NOËLLAT

OLIVIER BERNSTEN

tion and heritage in the eyes of young winemaker of

DOMAINE GEORGES NOËLLAT in Vosne-Romanée

ヴォーヌ・ロマネの

ドメーヌ・ジョルジュ・ノエラ若手醸造家の目に映る想いとインスピレーション

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Maxime Cheurlin マキシム・シュルラン

“Inspiration is

pleasure from the wine” Maxime Cheurlin

Domaine Georges Noëllat of Vosne-Romanée, located in Côte de Nuits at the heart of Burgundy, is a small historic estate famous for its renowned Pinot Noirs – but only recently. Not long ago, the estate was known as a negociant, or wine trader business, and the production of wine started in Domaine Georges Noëllat when the young winemaker took over the estate in 2010. Maxime Cheurlin became the head of the estate when he was 20 years old after his grandmother decided to retire. He was the person responsible for Domaine Georges Noëllat’s rise to fame and quickly earned the reputation of a talented winemaker, enjoying a powerful presence on the wine scene ever since. We spoke to Maxime about the early start of his career, the changes that took place in the industry over the past decade, and the primary inspiration behind his world-famous Pinot Noir wines. ブルゴーニュ地方の中心、コート・ド・ニュイにあるヴォーヌ・ロマネのドメーヌ・ジョルジュ・ノエラ。歴史ある小さなワイナリーですが、ピノ・ノワールによってその名が知られるようになったのはつい最近の出来事です。少し前まではネゴシアン（ワインの流通業者）として知られていましたが、2010 年に現在の当主が若くしてドメーヌを引き継ぎ、そこからジョルジュ・ノエラでのワイン造りが始まりました。祖母の引退の決断とともに、わずか 20 歳で当主となったマキシム・シュルラン。ジョルジュ・ノエラの名を世間に広め、瞬く間に才能ある醸造家としての評価を獲得し、現在はワイン界で強力な存在感を放っています。若くして醸造家というキャリアを歩み始めたことや、過去 10 年間に起きたワイン界の変化、そして今日では世界的に知られるジョルジュ・ノエラのピノ・ノワールのインスピレーションについて、マキシム・シュルラン氏に話を伺いました。

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The founder of the estate, Georges Noëllat, was the nephew of one of the established wine business owners in Vosne-Romanée, Charles Noëllat. Until the estate was taken over by Maxime Cheurlin, the house started by George Noëllat specialised in selling the harvest to the leading winemakers in Burgundy. Maxime began his path as a winemaker very young, as his 70-year-old grandmother Marie-Thérèse Noëllat was keen to retire and live a more tranquil life. Despite growing up in Champagne, Maxime had a chance to familiarise himself with the terroir of Burgundy during his studies in Lycée du Viticole in Beaune, and was even able to work with some of the reputable wineries in the region before joining the family business. “I had the opportunity to start, being very young, and essentially do what I wanted,” – the young winemaker recalls. “The big objective was to make my own wines. I thought it was very easy.” “Maybe I didn’t realise back then what I could make. In 2011, everything changed because everybody wanted my wine. It was a surprise for me, and it put more pressure on me to make wine that was good.” Comparing the situation in the wine industry back when he started and in recent years, Maxime says the estate struggled without many customers and publicity since Domaine Georges Noëllat was known primarily as a negociant. Because of that, as Maxime says, he had little pressure when he just started making wine under the name of the estate.

NOW AND THEN ドメーヌの創設者ジョルジュ・ノエラは、ヴォーヌ・ロマネのワイン事業主の一人、シャルル・ノエラの甥にあたります。ジョルジュ・ノエラが始めたドメーヌは、当初はブルゴーニュの主要ワインメーカーに収穫物を販売することを専門としていました。当時 70 歳だったマキシムの祖母、マリー・テレーズ・ノエラが、引退し穏やかな生活を送りたいと希望したため、若くしてワイン醸造家の道を歩み始めたマキシム。育ちはシャンパーニュ地方でしたが、ボーヌのワイン醸造学校、リセ・ヴィティコールでワインについて学びながらブルゴーニュのテロワールに親しみ、家業を継ぐ前に、ボーヌの有名なワイナリーで働くという経験も得ました。「若くして、やりたいことをやるチャンスを得ました。まず 1 番の目標は、自分のワインを造ること。そしてそれは簡単なことだと思っていました」「たぶんその時はまだ、自分が何を造ることができるのか気づいていなかったんです。2011年になって、私のワインを求める人が増え、すべてが変わりました。驚いたし、良いワインを造らなければ、というプレッシャーになりました」彼がワイン造りを始めた頃と、ここ数年の状況を比べると、以前ジョルジュ・ノエラはネゴシアンとして知られていたため、顧客も少なく知名度も低く、厳しい状況が続いていたのだそう。そのため、ジョルジュ・ノエラの名でワインを造り始めたばかりの頃は、まだプレッシャーも少なかった、と話します。

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Transmitting pleasure through wine ワインを通じて伝える喜び

As Maxime speaks about the philosophy and inspiration behind his wine, he explains that today’s customers are different from the people buying wine 20 years ago. According to the winemaker, these changes make him rethink and adjust his approach every year. “The reason is that now customers want some freshness and good balance, while, in the past, the idea was to make wine for new generations and wait 20 years for the wine to fully develop in the bottle. Now, for me, the idea is to make good wine now, every time,” – Maxime says. “My inspiration is the pleasure I get when I drink wine, the freshness of the wine, the energy in your mouth.” He goes on to explain that, for him, inspiration comes from the wines he wants to drink himself. “My inspiration comes from the best wines in the world. Just in my village in Vosne-Romanée alone, I am inspired by Romanée-Conti, Leroy, Cathiard, Henri Jayer. It’s the inspiration from Burgundy,” – Maxime says. “But I can also find inspiration in Porto [Portuguese fortified wine], or in the German Riesling”. 彼自身のワインへの想いやインスピレーションについて語る中で、今の時代の顧客は、20 年前にワインを買っていた人たちとは異なるという話をしてくれました。こういった変化を考慮して、毎年アプローチを見直し、調整しているそうです。「以前は、新しい世代のためにワインを造り、ワインが瓶の中で完全に熟成するのを 20 年間待つ、という考え方でした。しかし今、顧客は新鮮さとバランスの良さを求めています。そして今の私の考えは、今も、そしていつでも、良いワインを造ることです」「ワインを飲むときの喜び、新鮮さ、口の中に広がるエネルギー。これが私のインスピレーションです」さらに「自分自身が飲みたいと思うワインからも、インスピレーションを受ける」とも語るマキシム。「私にインスピレーションを与えてくれるのは、世界中の素晴らしいワインです。例えば私の住むヴォーヌ・ロマネ村だけでも、ロマネ・コンティ、ルロワ、シルヴァン・カティアール、アンリ・ジャイエといった数々のドメーヌから、ブルゴーニュワインのヒントをもらっています。でも同時に、ポートワイン（ポルトガルの酒精強化ワイン）やドイツのリースリングからアイデアをもらうこともあります」

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Challeng es of the

new wo rld

新世界のチャレンジ 23

Returning to the topic of past, present and future, Maxime touches upon the key challenges ahead of the estate in the context of changing climate. “Now, the biggest challenge is to adapt to the world as the climate changes rapidly. It is very difficult nowadays to be able to see the future and understand what the prices of the vineyards will be.” He goes on to elaborate, suggesting that the challenges of global warming are linked to the need for winemakers to “adapt both your culture and your philosophy”. Indeed, as temperatures rise, the grapes become richer in sugars due to quicken ripening, which results in the wines having higher alcohol content. “And for me, Pinot noir is all about freshness and purity. I don’t want to make anything else,” – Maxime states. The winemaker also explains that, compared to when he started his work in 2010, today’s wine industry is becoming increasingly complex: “In 2010, everything was simple, there was no stress. I knew what I wanted. Now, the more experience I get, the more questions I have. But to me, it’s more interesting to make wine this way.” Speaking of his plans for the future, Maxime says that he is the most inspired by a change in his work ethic, allowing himself to take on new approaches to make classical wines. “Now I try to work wiser because I want to discover a lot of the greatest terroirs,” – he says. In his endeavours, Maxime started to work with Bonnes Mares in 2020, which is another appellation in Burgundy specialising in Pinot Noir grape. He concludes that his objective today is to slowly expand his vineyards despite the challenges to do so in Burgundy and continue making the best wines in the region. 過去と現在、そして未来に話を戻し、ドメーヌが向き合わなければならない気候変動における課題についても、マキシムは話をしてくれました。「今もっとも重要な課題は、気候が急速に変化する中で、世界に適応していくことです。将来を見通し、ブドウ畑の価格がどうなるかを把握することはとても難しくなってきています」さらに、地球温暖化に対する課題は、ワインメーカーにとって文化と想いの両方を適応させる必要も出てくる、とも言います。確かに気温が上がるとブドウは早く熟すので糖度が上がり、結果としてワインのアルコール度数も高くなります。「私にとってピノ・ノワールは、新鮮さと純度がすべてです。それ以外のものは造りたくありません」と彼は話します。また、ワイン造りを始めた 2010 年頃と比べると、今日のワイン業界はますます複雑になっているそう。「2010 年はすべてがシンプルで、ストレスもなく、自分が何をしたいかもわかっていました。でも今は経験が増えるに連れて、どんどん疑問が湧いてくる。でもこうやってワインを造る方がおもしろいと感じています」クラシックなワインを造るために新しいアプローチをとっていく中で起きるワイン造りへの観念の変化が、彼自身に最もインスピレーションを与えるそうです。今後の展望については「素晴らしいテロワールをたくさん発見するため、より賢く動いていきたい」と話してくれました。試みのひとつとして彼は 2020 年、ピノ・ノワールに特化したブルゴーニュのもうひとつのアペラシオン、ボンヌ・マールとともに動き始めました。簡単ではないことは承知の上で、ブルゴーニュでワイン畑を広げ、そしてこの地域で最高のワインを造り続けるという目標を掲げ、インタビューを締めくくってくれました。 Gen de Art June 2022

WINE KRUG / DOMAINE GEORGES NOËLLAT / OLIVIER BERNSTEN Maison Olivier Bernstein, Burgundy ブルゴーニュメゾン・オリヴィエ・バーンスタイン

WINEMAKER

OLIVIER BERNSTEIN talks of inspiration, love for Burgundy and path to success

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Olivier Bernstein オリヴィエ・バーンスタイン

“Wine is a beautiful playground”

「ワイン造りは美しい遊び場」 Olivier Bernstein

The wines of winemaker Olivier Bernstein who established himself as a talented Premier and Grand Cru producer in Burgundy are now recognised all around the world. His success comes against all odds: born in a family of entrepreneurs, Bernstein himself has never been properly introduced to the world of winemaking and learned about the craft on his own. His immense success in winemaking started with Bernstein’s passion for wine and deep appreciation for French winemaking. In the interview with Gen de Art, Olivier Bernstein spoke extensively about his exciting journey from a music publisher to winemaker, his love for Burgundy and the inspiration behind his internationally acclaimed wines. ブルゴーニュのプルミエ・クリュとグラン・クリュの実力派ワインメーカーとして地位を確立し、今や世界中で認められるオリヴィエ・バーンスタイン。起業家の家系に産まれ、独学でワイン造りを習得したバーンスタイン氏の大きな成功は、ワインへの情熱と、フランスのワイン造りへの深い尊敬から生まれました。今回のインタビューでは、音楽出版社からワインメーカーに転身した異例の経歴や、自身のブルゴーニュへの愛、そして今や世界で愛されるワインのインスピレーションについて語ってくれました。

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B E RN S T E I N ’ S W I N E S

「ある日、ワインを造らずにこのまま人生を続けるなんて無理だ、と思ったんです」

A LOVE STORY

Olivier Bernstein in the vineyards ブドウ園でのオリヴィエ・バーンスタイン

Ol iv ier B er n s t ei n come s f rom a fa m i ly of bu si ne s smen , t he generations of which had a deep respect for culture in its various forms. However, winemaking was never one of them.

He explains that this decision also came as a result of frustration he felt in his job, as he was not able to produce something of his own and share his creativity with the world.

“I discovered the wine passion very late. I think I was 26 years old. I was working in my family’s company in Germany, a classical music publishing company called Bärenreiter,” – Bernstein recalls. “I missed France when I was in Germany. There was a wine merchant next to my house where I was going two or three times per week to buy a bottle of wine. At home, I was cooking dinner and drinking the wine. I think it was the moment when I fell in love with wine.”

“I was managing and selling, but not creating. The action of creation was very important to me. But I was so happy being with growers, it was so exciting to talk to them. I just wanted to become one of them one day”, - Bernstein adds.

Bernstein goes on to add that his passion did not simply stop at buying different wines from the shop. Soon, he began reading books about winemaking, visiting wineries and talking to winegrowers. “I spent a lot of time with them, vinifying, harvesting and tasting”, – he says.

バーンスタイン氏の家系は代々実業家で、幅広い文化を深く敬ってきましたが、ワイン造りだけは専門領域ではありませんでした。「自分自身のワインへの情熱に気付くまでには、けっこう時間がかかりました。26 歳の時、ドイツにある親の会社で、ベーレンライターというクラシックの音楽出版社で働いていたのですが、フランスが恋しくて。家の隣のワインショップへ週に 2、3 回ワインを買いに行き、家で夕食をつくってワインを飲むという生活をしていました。ワインに恋したのはその時でした」彼のワインへの情熱は、ワインショップでワインを買って飲むだけにはとどまりませんでした。すぐにワイン造りに関する本を読み始め、ワイナリーに足を運び、生産者と話をするように。「醸造から収穫、試飲まで、多くの時間を生産者の方々と一緒に過ごしました」

Following his passion, in 1995, Olivier Bernstein decided to come to Burgundy. He recalls that, back then, it was easy to simply “knock on the door at Romanée-Conti” for a visit and wine tasting. It was then that he discovered the taste of red Burgundy wines for the first time: “The Pinot Noir wines were the ultimate delicacy for me. Never before had I ever had the same pleasure. ”

当時関わっていた仕事では創造力を生かして自分で何かを生み出すことができないというフラストレーションも、この決断に至るきっかけになったそう。「マネジメントや販売はしていても、なにかを『つくり出す』ことはしていなかったんですよね。でも『つくる』という行為は私にとって大切なことだったので、ワインの生産者と一緒にいて話をするのはとても楽しかったし、わくわくしました。いつか生産者側のひとりになりたい、と純粋に思ったんです」その心の声を聴き、1995 年、ブルゴーニュへ渡ることを決意。当時は、ロマネ・コンティの門を文字通り叩いて見学や試飲をすることが簡単にできた時代で、その時初めて彼は、ブルゴーニュの赤ワインの素晴らしさを知りました。「ピノ・ノワールのワインには、究極の繊細さがありました。あれほどの喜びはあの時以来味わっていません」

“One day, it became impossible for me to continue my life without making my own wine.”

Olivier Bernstein was inspired by a brief internship with legendary Burgundian winemaker Henri Jayer. オリヴィエ・バーンスタインは伝統的なブルゴーニュのワインメーカー、アンリ・ジャイエとの短期インターンシップに刺激を受けました。

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“It is about the scope of difficulty, complexity and pleasure. It is so unlimited that, depending on so many criteria, you can have so many emotions in red Burgundy wines that it can be compared to a piece of art.”

However, after f ive years of hard work, Olivier Bernstein began to realise that “it was extremely difficult to live from the production of wine”. “In Roussillon, I was happy, but not completely happy because I could not reach the delicacy of wines that I wanted to reach,” – he continues, adding that the quality of the wines was different from the Burgundy standard he had in his mind.

“I gave it a try, rented everything – and it became a success. Experts and press tasted the wines and said that they were very good. Everybody started to buy my wines. Somehow, what was extremely difficult in Roussillon suddenly became very easy in Burgundy,” – Bernstein says.

THE FIRST SUCCESS

To make his dream a reality, at first, Bernstein could only afford to buy eight hectares of vineyards in the south of France which were inexpensive back in the day. In Roussillon, he was able to buy some equipment to start making his very first wines.

In 2007, Bernstein finally decided to enter the world of Burgundy wines. He was already familiar with the region and what he really wanted was to have the chance to work with his favourite grape – Pinot Noir.

He attributes his success to the fact that his background was not connected to winemaking for most of his life: “I think one important thing is that I am making wine because I love wine, not because I inherited vineyards. Some growers don’t really like wine, they make wine because they inherited it. To me, it is a privilege, and I am extremely demanding in what I’m doing.”

の分、喜びの大きさも無限です。さまざまな条件があって、その条件次第でまるで芸術作品のように、私たちにいろんな感情を抱かせてくれるんです」

しかし 5 年間の努力の末、バーンスタイン氏は、ワイン造りで生計を立てるのは厳しいと気づきました。「ルシヨンでは、目指していたワインの繊細さを造り出すことができず、 100% 幸せではありませんでした」その時造ったワインの質は、彼が忘れられずにいたブルゴーニュのワインとは異なるものでした。

「だから、やってみよう！と思って、挑戦しました。そしたら、うまくいったんです。専門家や報道の方々がワインを飲んでとてもおいしいと言ってくれ、みんな買ってくれるようになったのです。ルシヨンではとても難しかったことが、ブルゴーニュではなぜかあっさり、簡単にできてしまいました」

2007 年、ついにブルゴーニュワインの世界に足を踏み入れることを決意。すでに見知った地域でしたが、彼が本当に望んでいたのは、大好きなピノ・ノワールでワインを造ることでした。「ブルゴーニュの赤ワインはとても難しく複雑なのですが、そ

成功の秘訣は、それまでの自身の人生がワインづくりとは無縁だったことだと考えるバーンスタイン氏。「大事なのは、ワインが好きだからワインを造っているのであって、ブドウ畑を受け継いだからではないということです。生産者の中にはただ家業だからやっているという人もいますが、私にとってワイン造ることができるのは特権です。だから自分に対してとても厳しいのです」

初めての成功

夢を実現するためには、当時そこまで値段のはらなかった南仏に 8 ヘクタールのワイン畑を買うのがやっとでした。ルシヨンでワイン造りを始めるための設備も購入。

Gen de Art June 2022

Coming from a musical background, Bernstein sees many connections between winemaking and various forms of art. “I learned from my family that everything is about nuances and personal interpretation,” – he explains, saying that this knowledge has assisted him a lot on his winemaking journey. “I think with classical music, you learn how a small detail can make a very big difference in the end when you hear the final result. A small nuance in the process of creating wine, especially in the vineyard, can also make a big difference in the end.” For Bernstein, winemaking is no longer merely about wine, but about the artistry contained in this complex process. “What is fascinating is diversity, the differences in styles,” – he says. “You can really enjoy wine like contemporary art, there are so many different interpretations. To me, it is a playground that is absolutely beautiful.” However, Bernstein’s personal philosophy when it comes to making wine is “less is more”, which is expressed in the minimal design of his bottles. “Very often in burgundy, there are too many things on the label. I wanted to have only what was absolutely necessary,” – he notes, speaking of his designs. Still, Bernstein clarifies that simplicity is not always the approach he is ready to take when it comes to the creation of the wine since, as he says, “sometimes, you need to interfere”. He concludes that excellent wines truly require very close attention from the winemaker, as every step of the process will eventually define the final outcome.

Winemaking as an act of creation

創作活動としてのワイン造り

もともと音楽関連の仕事をしていたバーンスタイン氏。ワイン造りと芸術の間には多くの関連性があると言います。「何事もニュアンスと個人の解釈が大切だ、と家族から教わりました」と言う彼は、この考えがワイン造りの旅にもとても役に立っていると話します。「クラシック音楽では、最終的な仕上がりを聞いたときに、小さなディテールがいかに大きな違いを生むかを学びます。これはワインも同じで、ワインを造る過程、特にブドウ畑での小さなニュアンスの違いが、出来上がりに大きな違いを生むのです」彼とってワイン造りは、もはや単なるワインにとどまらず、この複雑な過程に通ずる芸術のようです。「多様性やスタイルの違いがワイン造りの魅力です。ワインは本当にさまざまな見方で解釈することができて、現代アートのように楽しむことができる。私にとって、ワイン造りは美しい遊び場なのです」同時に、彼のワイン造りにおける哲学は ”Less is more”「少ないほうが豊かである」。この考えは、オリヴィエ・バーンスタインのシンプルなボトルのデザインにも表れています。「ブルゴーニュのワインは、ラベルにいろんなことが描かれていることが多いのですが、本当に必要なものだけを残したかったんです」しかし「干渉しなければいけない時もある」と、ワイン造りにおいて常にシンプルであることがベストな答えとは限らないとも考えているそう。プロセスの一つひとつが最終的な出来上がりに映し出されるので、本当に優れたワインにはワインメーカーの細かい気配りや配慮が欠かせないのですね。

Minimalism is at the heart of Olivier Bernstein’s interior design ミニマリズムはオリヴィエ・バーンスタインのインテリアデザインの中核になっています。

Gen de Art June 2022

Isao Onishi’s hands 大西勲さんの手 Photo/ Takashi Imai

ART The artistic section of the summer issue is dedicated to Japanese

creators working in various visual genres. Isao Onishi shares the

secrets behind the unique lacquer coating technique (kyūshitsu) in the urushi (lacquer) craft in his work, while Seitaro Kuroda

touches upon the inspiration behind his paintings and graphic

design works. We also converse with artists working in other genres including architect Takeo Obayashi and calligrapher Souun Takeda, who are united in their passion for their traditional craft.

夏号のアーティスティックセクションは、さまざまなビジュアルジャンルで活動する日本のクリエイターにささげられています。黒田征太郎が絵画やグラフィックデザ

イン作品のインスピレーションに触れながら、大西勲は漆工芸の独特な漆塗り技法（髹漆）の秘訣を共有してくれます。また、建築家の大林剛郎や書道家の武

田双雲など、貴重なジャンルのアーティストたちと、彼らの伝統工芸への情熱とともにお話していきます。

Gen de Art June 2022

ART ISAO ONISHI / SEITARO KURODA / TAKEO OBAYASHI

ISAO ONISHI, Living National Treasure: “The key in life is light and shadow”

/ SOUUN TAKEDA

Isao Onishi was officially recognised as a Holder of Important Intangible Cultural Property, popularly known as a Living National Treasure, for his lacquer coating technique (kyūshitsu) in the urushi (lacquer) craft. Born in Fukuoka Prefecture, Onishi experienced a crucial turning point in his life at 30 years old when he met Yusai Akaji, a Living National Treasure, and became his apprentice. Onishi’s sense of craftsmanship was nurtured through assisting his father in his carpentry work. Always giving his all for everything he does, Onishi has pursued the path of a master craftsman even though he had no intention of becoming an artist. We spoke to him about his journey and philosophy.

人間国宝大西勲「人が生きることと同じ、大切なのは光と影」 2002 年に漆工芸の髹漆技能において、人間国宝に認定された大西勲さん。福岡県に生まれ、30 歳で出会った人間国宝赤地友哉さんへの弟子入りが大西さんの人生を大きく変えた。大工である父の手伝いをするなかで養われた感覚と、何事にも一生懸命な性格で、芸術家になるつもりこそなかったものの、この名工の道を歩んできた大西さん。その軌跡と哲学を伺います。

Gen de Art June 2022

“My stutter and being alone

”

made me who I am

① Wood model: Chōkai ソリットモデル鳥海 ② From Shuji Irie: the British Hawker Hunter F.6 fighter jet イギリスのホーカーハンター F.6 戦闘機入江修二さんより ③ The stone: Shuji Irie’s gift to Isao Onishi at junior high school graduation, with the engraving “honesty is the best policy”

入江修二さんから中学卒業時に貰った石。「honesty is the best policy」と彫られている。

①

As a child, Onishi’s family moved often because of his father’s work as a carpenter. He also had a stutter, and he struggled with making friends. “I only went to half of elementary school,” he recalls. But he still has a vivid recollection of how he enjoyed making things using the scraps of wood that came out of his father’s work.

②

③

Onishi met his first true friend, Shuji Irie, in junior high school. “He taught me about how to make mock-up models. That technique is still valuable to me, even now,” he fondly remembers. When they graduated from junior high, Irie gave him a stone with the words “honesty is the best policy” carved on it. “Those words have become very precious to me,” he says wholeheartedly. They truly connected heart to heart, and Onishi still treasures that stone to this day.

大工を父に持つ大西さんは、父の仕事の関係から転校も多くどもりに悩み、友人ができなかったと振り返ります。「小学校も半分しか通わなかった」と明かしながらも、父の仕事で出た木端で木工細工を作ることが楽しみだったことをとてもよく覚えていると教えてくれました。そんな大西さんが中学生にして初めて出来た心友、入江修二さん。「彼からはソリットモデルを教えてもらいましたよ。その技術は今でも生きていると思います」と懐かしそうに話します。入江さんからは中学卒業時に「『honesty is the best policy』と書かれた石を貰いました。この言葉は僕にとっても、大切な言葉になりましたね」としみじみ。文字通り「心の友」だった入江さんから貰った石は今でも大切にしているのだそうです。

「どもりと独りぼっちが、今の私を作ってくれた」 Isao Onishi 大西勲さん

Gen de Art June 2022

Hard Work Behind the Scenes, the Importance of Tools “Now, I can gauge how skilled a craftsperson is just by taking a glance at their tools,” Onishi says. His experience in carpentry work taught him the importance of tools. As a young worker, he says “everyone looked after me so well, and they taught me so much.” He realised then that no matter how young he was, or how much muscle power he had, he was no match for the older, experienced carpenters who took good care of their tools and made full use of them. “I learned that when you use tools, they get damaged over time. They become bent or weak. When the tip of the blade became damaged, I fired it and cooled it in cold water to make it stronger again. I learned that that kind of hard work behind the scenes is vital.”

Photo/ Takashi Imai

Onishi is always committed, giving his all for his work. His approach itself must have attracted many opportunities of learning. Although the tools that he takes care of so well are never seen by the viewers of his artworks, it is his consistent commitment that lays the foundation for his singular creations.

_QsMRz ØwG~^{ 「今なら道具を一目見れば、その職人さんの技量をすぐに見極めることができますよ」と語る大西さん。土木作業の仕事を経験した際には道具の大切さを学び「とても可愛がってもらって、育ててもらった」と話します。いくら若くて、力のある自分でも、道具を大切に手入れし、使いこなす年配の方には及ばないことを気付かされたのだそうです。「使えば道具は傷むんだと。曲がったり傷んだりする。刃先が痛めば焼きを入れたりして手入れしたりしました。見えないところでの努力が大切だということを学んだ経験でした」いつでも一生懸命でひたむきな大西さんの姿勢は、自身の大きな学びをも引き寄せたに違いありません。作品から直接見ることのない、大切に手入れされた道具。その見えない努力が作品をより、唯一無二なものにしているのでしょう。

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BECOMING AN APPRENTICE TO YUSAI AKAJI, A LIVING NATIONAL TREASURE

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“Magewa Tsukuri Disc of Golden Moonlight” (Magewa tsukuri ousai tsuki mon ban) 曲物造黄彩月盤 Photo/ Takashi Imai

When Onishi was 32 years old, he became an apprentice to Yusai Akaji, who established the hoop-built technique (magewa tsukuri). Magewa tsukuri is a delicate traditional technique of combining wooden rings (magewa) of different diameters to make an object or vessel, then painting many layers of lacquer over the surface. Onishi handled the whole process by himself, starting from making the refined lacquer. He looks back on his apprenticeship: “It was interesting. I was like a sponge soaking up water. My teacher let me do anything, encouraging me to learn. It was the first time I experienced anything like that, so I was engrossed.” His voice is filled with the excitement and gratitude he felt in those days. It was then that he inherited the magewa tsukuri technique. At 40 years old, Onishi debuted in the Japanese Traditional Crafts Exhibition with his work entitled “Magewa Tsukuri Disc of Golden Moonlight” (Magewa tsukuri ousai tsuki mon ban). Inspired by the moon that he saw as a child over coal mine mountains, this artwork embodies Onishi’s unique skill and a true innovation of lacquer ware. About ten years since then, Onishi was designated a Living National Treasure. He is still modest, calling himself “just a lacquer craftsman.” Looking back on his journey, he says, “Becoming a Living National Treasure doesn’t mean I’m some kind of special artist. I suppose it’s just I was suited to building up something from scratch.” 大西さんが 32 歳の頃「曲輪造」を確立した赤地友哉さんのもとへ弟子入りすることになります。「曲輪造」とは、径の異なる木材の輪「曲輪」を組み合わせて器の木地を成形し、漆を幾度も漆を塗り重ねてゆく伝統的かつ繊細な職人技です。漆の精製の工程から全て、大西さん一人で行います。当時のことを「面白かった、まるでスポンジがね、水を吸うようでしたよ。先生は何でも自分にやらせてくれて、勉強しなさいって言ってくれていました。こんな経験は初めてでしたから、夢中になってやりました」と振り返る大西さんの声からも当時の嬉しさや、感謝の気持ちが感じられます。そこから「曲輪造」を継承し、大西さん 40 歳で日本工芸展へのデビューを作品「曲輪造黄彩月文盤」で果たします。幼少期に眺めた炭鉱山の上の月をモチーフに生み出されたこの作品のユニークさは、漆器の革新そのもので、大西さんの腕が光る素晴らしいデビューとなりました。そこから約 10 年後には人間国宝になった大西さん。今も変わらず「ただの漆職人」だと、謙遜します。「人間国宝になったからと言って、何も特別な芸術家ではないんです。ただ、最初から何かを築き上げることが自分には向いていたのでしょう」と、これまでの歩みを振り返ります。

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Life as “the flame of a candle” Onishi uses the flame of a candle when planing a piece of wood. When asked why he persists in using candles in spite of technological development, he answers, “Light and shadow are key. It’s the same with human life. There’s light and shadow. Shadows reveal the texture most clearly. The candle gives off just the right amount of light for that. If it’s too bright, I can’t see the grooves and ridges on the surface of the wood very well. It’s not easy to make young people understand that, though,” he says with a gentle smile. No matter what difficulties he faced, Onishi continued to build on his skills. He tells us that light and shadow are important for perceiving the surface of the wood as well as living life — that brighter isn’t always better.

Treasured Words

There is a saying that Onishi treasures in his life as a craftsman. When there is time in the heavens, spirit in the earth, and beauty in the material, there is skill in the craft. “It means, ‘the best technique is born when there are fortuitous opportunities for the development of the environment and the subject, and when the best material is given by nature, and the skills of the craftsperson are aligned.’ These are words on the essence of the culture of technique from Kao Gong Ji, one of the oldest records of craft and technique in the world, originating from China around 30 BC. It has left a deep impression on me, and I’ve always cherished it.” When Onishi first encountered this sentence, he was overcome with a feeling of profound sympathy and gratitude. He even gave Gen de Art these words written by his own hand. Onishi’s determined spirit, which never swayed in the face of hardship, and his commitment to remember his roots and value tradition shine through in his artworks and touch countless people.

Photo/ Takashi Imai

O X fw fiPfl qT \^s 大西さんは、木にかんなをかける工程でろうそくの火を使います。機械技術の発展もあるなかで、ろうそくの火を使った作業にこだわりを持つことについて聞いてみると「光と影がとても大事。人が生きることもそうですよね。光と影があります。影ができるところが一番、質感がよく見える。その光がろうそくだと思うんです。明るすぎたら木面の凹凸が良く見えないんです。なかなか若い方に伝えても分かって貰えないですけどね」と優しい笑みを浮かべます。どんなに大変な時期も技術を磨き続けてきた大西さんは、人が生きることも木目の凹凸も光と影がとても大切で、明るいだけの良さに任せてはいけないと話してくれました。

GbU ^qo‘V \OQp G~t‘oMt?UK b{ 天ニ時アリ地二気アリ材に美アリ工二巧アリ「これは『環境と主体にありがたい発展の機会があって、さらに自然からいただく最良の材料、職人の技が揃う時、最高の技術が生まれる』という技術文化の本質として中国紀元前 30 年頃の世界最古の技術書のひとつ『工考記』に記されていた言葉です。とても心に残っていて、大切にしています」この言葉に初めて出会ったとき、大西さんのなかにはとても大きな共感と、感謝しなければならないという気持ちで溢れたと言い、Gen de Art にも直筆で贈ってくれました。これまで苦労も多かった大西さんが変わらず貫いてきた極め続ける姿勢と初心を忘れず伝統を大切にする想いは、作品を通して多くの人々の心を動かしています。

Gen de Art June 2022

Magewa Tsukuri “Zen Garden” 曲物造「石庭」 Photo/ Takashi Imai

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ART

黒田征太郎の哲学

SEITARO KURODA

TAKEO OBAYASHI

SOUUN TAKEDA

「描くことは、命について分かろうとすること」

ISAO ONISHI

The Philosophy of Seitaro Kuroda “To draw is to try to understand life”

Seitaro Kuroda was born in 1939 in Osaka. In 1961, he began working at the Yoshio Hayakawa Design Office. From 1966 to 1969, he lived in New York. When he returned to Japan, he founded the design office K2 with Keisuke Nagatomo. Now, he is based in Kitakyushu City in Fukuoka Prefecture, where his atelier is located, and is active as a painter, illustrator, and graphic designer. 1939 年大阪生まれ。1961 年に早川良雄デザイン事務所に勤務。1966 年にニューヨークへ渡米。1969 年に帰国し、長友啓典さんとデザイン事務所 K2 を設立。福岡県北九州市にアトリエを構える画家、イラストレーター、グラフィックデザイナーの黒田征太郎さんにお話しを伺いました。

Gen de Art June 2022

The Greatest Joy: Making Art to Discover Why He Likes Making Art Kuroda is an energetic artist, his activities ranging from live painting performances to painting murals, creative workshops, and hospital art, both in Japan and overseas. “Sometimes people ask me, ‘Why do you do so much?’ The answer is simple — I just love making art more than anything else. If you ask me why I like drawing, I couldn’t tell you exactly. In fact, that’s what I’d like to find out.” He says he is drawing even while having this interview. “It’s always interesting,” he continues. “Some ways of making ar t work, like teaming up with an ar t dealer to make something that sells — I don’t think that’s interesting. I’ve been an artist for 50 years now, so it’s not as if I don’t know how the artists’ world goes round, but I don’t want to know about any of that. I want to focus just on the feeling that drawing is exciting, and keep it at that.” Kuroda approaches each of his artworks one at a time, but his creative process also involves interactions with many artists and people of culture.

Seitaro Kuroda 黒田征太郎さん

作ることが何より好き。そして「なぜ好きなのか」を知りたいから描くライブペインティングや壁画制作、絵話教室、ホスピタルアートなど国内外で精力的に幅広い活動を続ける黒田さん。「『なんでそこまでやるの』と聞かれることもあるけど、作ることが何より好きなんです。そして僕自身、なぜ絵が好きなのかがはっきりとは分からない。むしろそれを知りたいという想いがあるんです」インタビューを受けている今も絵を描いているという黒田さんは「やっぱり面白い」と続けます。「画商と組んで売れる作品を作るとか、そういう描き方は面白くない。50 年も続けたわけですからアーティストの世界を知らないわけではないけれど、そういうことは知りたくないし、描くことを面白いと思うところに留めておきたいという気持ちがあります」作品と一対一で向き合う黒田さんですが、制作には多くのアーティストや文化人との交流が大いに関係していると言います。

Gen de Art June 2022

Seitaro Kuroda’s atelier space

“Yes, I can draw”: The Eureka Moment “First of all, a painting isn’t something you can make all by yourself, is it?” Kuroda points out. “I’ve been fortunate with meeting people,” he adds in a warm, gentle tone. “I was also lucky that I’ve always been a fan of Akiyuki Nosaka.” Turning Nosaka’s book A Collection of War Fairy Tales (Sensō dōwa shu) into a picture book and adapting it for film left a deep impression on Kuroda. “A Collection of War Fairy Tales is about life. All animals except humans only hunt other animals in order to eat. Why do humans kill each other in war? A human is merely a living creature that is born, then dies. That’s what Nosaka-san tells us.” Kuroda was 52 years old when he came across Nosaka’s book. “At the time, I heard the then-prime minister Keizo Obuchi announce, ‘50 years have passed since the war. Let’s start talking about other topics than war.’ I wondered, ‘Why?’ Right around then, I stumbled across Nosaka-san’s A Collection of War Fairy Tales at the Kinokuniya bookshop in New York.” Back then, Kuroda was working at a school where students

included the children of United Nations personnel. When he asked the elementary school students whether they are learning about war, they replied, “Of course.” Kuroda felt concerned that “if things keep going at this rate, children in Japan might grow up without ever learning about war.” That was when Nosaka’s War Fairy Tales came to his mind, and an idea hit him like a revelation. “A signal came to me, somewhere in my body, telling me to ‘turn it into a picture book’. I thought, ‘That’s right, I can draw.’” Then in 1955, the Great Hanshin Earthquake occurred. “It was a major disaster, a life or death situation. Nosaka-san and I went to the affected areas. Because it was a matter of life.” Nosaka had a profound influence on Kuroda’s way of thinking about life and things in general. “Now, I understand drawing pictures and performing music as an act to try to understand life,” says Kuroda. When asked what else he is engrossed in, he answers, “Living.”

なかでも黒田さんが野坂さんの著書『戦争童話集』を絵本化し映像化したことは特に強く印象的だったと言います。「『戦争童話集』は命の話。人間以外の動物は食べるために狩りで他の動物を殺しますが、人はなぜ、戦争という殺し合いをするのか。人は生まれて死ぬだけの生き物、というのが野坂さんの考えなのです」『戦争童話集』を知ったのは、黒田さんが 52 歳の時。「当時、総理大臣だった小渕恵三さんが『戦後 50 年が経った。戦争のこと以外を発信していきましょう』と話していて『なぜ？』と感じました。そんなときにニューヨークの紀伊国屋書店で、野坂さんの『戦争童話集』に出会ったのです」当時ニューヨークで、国連の職員の子どもが通う学校の仕

事をしていた黒田さんは、小学生に「戦争のことは習っているの？」と尋ねると「当たり前じゃないか」と答えたと言います。「日本の子どもたちは、このままでは戦争のことを知らないまま育ってしまうかもしれない」と危機感を抱いた黒田さんの頭に『戦争童話集』が浮かび、啓示のような考えがひらめきます。「僕の体の中に『絵本にしろ』という信号が来たんです。『そうか、僕は絵が描けるんだ』と」

「僕は絵が描けるんだ」

「そもそも絵って一人で作れるものではないでしょう？」と話す黒田さんは、「僕は人との出会いに恵まれている」と穏やかな愛溢れる口調で語ります。また「野坂昭如さんをずっと好きでいたことは、僕にとってラッキーなことだった」と話します。

体の中にひらめきが走った

黒田征太郎さんのアトリエスペース

そして 1955 年に阪神・淡路大震災が発生。「命に関わる大災害が起き、野坂さんと僕も、現地に向かったんです。命のことですから。」野坂さんには、命の考え方について大きな影響を受け、黒田さんの考え方にも大きな影響を受けたと言います。「今、絵を描くことや音楽を演奏することは、命のことを人が分かろうとするための行為だと考えています」と語る黒田さん。絵のほかに夢中なことを尋ねると「生きること」だと教えてくれました。

Gen de Art June 2022

Exterior view of Seitaro Kuroda’s atelier 黒田征太郎さんのアトリエ外観

Nature Teaches Us about Art and Music Live painting is part of his life’s work, and Kuroda wants to convey the joy of drawing to children through his performances. “I hope to give them an opportunity to discover just how fun art and music is,” he explains. “My commitment to this shares common ground with what I said about art, that ‘to draw is to try to understand life.’” He continues, “When I observe nature closely, I can’t help but feel that it’s teaching us about art and music. Even now, when I look up, I see the mountains on the opposite bank, and the dense, towering cloud spreading beyond them. And beyond that there’s the Kanmon Straits with the Kanmon Bridge over it, said to be one of the most prominent bridges in Japan — but even that, to me, looks weak and feeble.” “Without the sun, we can’t see anything. In painting, we use colours that we’ve learnt from the seven colours of the rainbow that the sun creates. Musical scores are made by the sensual perception of sounds in nature, like the wind or the waves. No matter how great the artist, every piece of art is born of nature. I hope to talk to the children about things like that,” he concludes. Kuroda’s art work, like an ode to humanit y, shines with the brilliance of life. Our conversation with him made us realise how his art springs from his own sensibility and philosophy that hold a steadfast respect for nature and human beings.

自然が絵や音楽のことを教えてくれる黒田さんは現在、ライフワークのひとつとして行ってきたライブペインティングを通じ、子どもたちに描くことの楽しさを伝えることに関心があると話します。「絵と音楽の面白さを気付かせてあげたい。この思いは先ほど話した『描くことは、人が命のことを分かろうとすること』という考えに通じています」さらに「自然をよく見ていれば、絵や音楽のことを教えてくれているような気がしてならないんです。今も顔をあげたら対岸に山々が見えて、その向こうに入道雲が広がっています。さらにその向こうには関門海峡があるのですが、僕には日本有数の橋と言われる関門海峡でさえも、ひ弱なものに見えてしまう」と、話す黒田さん。「太陽がなければ何も見えないし、絵画は太陽が作る七色の虹から色を知って描くものです。楽譜は風や波の音に官能してできる。どんな偉大な芸術家の作品も、自然のもとに生まれたんです。子どもたちともそんな話をできたらと思っています」と、締めくくりました。命の輝きを放つ人間讃歌のような黒田さんの作品は、自然や人への敬意を失わない作家の感性や哲学から生まれるのだと実感させられた瞬間でした。

Gen de Art June 2022

ART

ISAO ONISHI

SEITARO KURODA

TAKEO OBAYASHI

SOUUN TAKEDA

On the Relationship between Art and the City

Takeo Obayashi, Chairperson of Obayashi Corporation B or n i n 1 9 5 4 i n Tok yo P r efe c t u r e , Ta ke o Ob ay a s h i g r a du at ed f rom t he econom ic s depa r t ment of Keio University in 1977, and he entered the Obayashi Corporation in the same year. In 2009, he became the managing director of this company. He also serves as a Council Member of the UK-based Tate International Council Executive Committee, Mori Art Museum, the Hara Museum of Contemporary Art, the Ishikawa Foundation, and the Kawamura Cultural Foundation. He is an active supporter of art museums and the dissemination of contemporary art. Well-versed in art, Obayashi holds a deep fascination for architecture and the kind of urban development that stimulates people’s creativity. We spoke to him about cities rooted in culture and about his passion for art.

大林組会長・大林剛郎アートと都市の関係性 1954 年東京都生まれ。 1977年慶應義塾大学経済学部卒業後、同年に株式会社大林組入社。2009 年に同社代表取締役会長に就任。イギリスのテート美術館のインターナショナル・カウンシル・メンバーや森美術館理事、原美術館評議員、公益財団法人石川文化振興財団評議員、一般財団法人川村文化芸術振興財団評議員を務め、国内外で現代美術の普及や美術館へのサポートを行う大林剛郎さん。人々の創造性を刺激する建築や都市づくりに強い関心を持ち、美術に精通する大林さんに、文化が根付いた都市のあり方やアートへの想いを伺いました。

Gen de Art June 2022

“I was amazed by the creativity of artists” Headquarters Relocation as a Turning Point

「アーティストの発想力に衝撃を受けた」本社移転プロジェクトが契機

Obayashi has a deep knowledge of art in general and is one of Japan's leading art collectors. But when he was a child, he says, he didn’t have any particular interest in art. “I was in the art club in senior high school, and later on, I became acquainted with Hiroshi Senju, who was a younger student also in the art club at the same school. Other than that, I didn’t have much contact with art at all. I only started collecting art once I graduated from university.” Around that time, I was collecting drawings by architects such as Tadao Ando, Shin Takamatsu, and Aldo Rossi. A turning point for Obayashi, when he grew more interested in contemporary art, was the relocation project for the headquarters of Obayashi Corporation in 1999. In this large-scale, inventive project, they sought to merge architecture and contemporary art in the office space, inviting 18 internationally recognised artists, such as Yayoi Kusama, Emi Fukuzawa, and Pascal Convert, to create artwork for this space. Besides those pieces, the space also exhibits more than 70 pieces of contemporary artworks. Obayashi recalls being amazed when he saw first-hand just how imaginative the artists’ creativity was. “All the artists enjoyed working on the project — they told us it was ‘wonderful’ and ‘great,’ and they thanked us. The most fun part of all was talking to the artists face to face.” From around this time, he became a Member of the International Council of the Museum of Modern Art (MoMA) in New York. As he strengthened his ties with the art world, he thought more deeply about how architecture relates to the townscape and culture of a city.

美術全般に造詣が深く、日本有数のアートコレクターでもある大林さん。小さい頃はアートには特に興味を持たずに育ったと言います。「高校では美術部に所属し、後に同じ高校で美術部の後輩である千住博くんと知り合いになったりはしましたが、それ以外にはほとんど美術と触れる機会がなく、アートのコレクションを始めたのは社会人になってからです」この頃にコレクションしていたのは、安藤忠雄や高松伸、アルド・ロッシといった建築家のドローイングだったのだそう。そんな大林さんが現代美術への関心を深める契機となったのが、1999 年に行われた大林組本社の移転プロジェクト。オフィス空間の中で、建築と現代美術の融合を目指した大規模でラディカルなこの試みには、草間彌生や福澤エミ、パスカル・コンヴェールといった世界で活躍する 18 人のアーティストが参加し、この空間の為に作品を制作してくれました。他にも 70 数点の主に現代美術の作品が展示されています。芸術家の自由な発想力に触れたこのときの経験は「インパクトのある出来事だった」と、大林さんは振り返ります。「『素晴らしい』『よかった』『ありがとう』と、アーティストたちみんなが喜んでくれ、アーティストと実際に会話ができたことは、なによりも楽しい時間でした」この頃からニューヨーク近代美術館（MoMA）のインターナショナル・カウンシル・メンバーに加わるなど、アート業界との関係も深めていった大林さんは、建物とまちの景観、文化の関係性について考察を深めていくことになります。

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ミット・ジャイイン

《Peopleʼs Wall》2019

Photo: Jim Thompson Foundation

Courtesy of the artist and Jim Thompson Foundation

バリー・マッギー

リボーンアート・フェスティバル 2019 宮城の展⽰⾵景 Photo: Nori Ushio

©Barry McGee; Courtesy of the artist, Perrotin, and Reborn Art Festival

A R T

A N D

T H E

The Future of Japan: Community Development that Draws on Local Character In 2019, Obayashi published the book The Rebirth of a City through Culture (Art) (Toshi wa bunka (art) de yomigaeru) (Shueisha). He explores the relationship between cities and culture (art). In the book, he discusses the limits of art projects that are designed to promote the local region but haven’t been thought through carefully enough, as well as the issues in the kind of urban development that pursues functionality and economic efficiency. When asked why he wrote about these topics, he says: “In Tokyo, there was an excess concentration of population, and that led to the city’s own particular development; the city was also active in taking measures to prevent disasters. Meanwhile, regional cities have been copying how things are done in Tokyo or overseas for a long time. From now on, the future of Japan will lie in community development that draws on local character.” He continues, “In the book, I wanted to introduce great examples of regional cities that made effective use of architecture and art that can only be found in that particular city. I wanted to show how important it is to weave together the preexisting cultural features or historical attractions of the locality, while bringing them up to date as a new environment, for forming the identity of the region.” This book draws together Obayashi’s principles and past experiences in what reads like a multi-dimensional structure.

A Meeting Point between Art and Local Industries

C I T Y

これからの日本は「地方性の魅力を引き出したまちづくり」をテーマに。 2019 年に『都市は文化（アート）でよみがえる』（集英社）を刊行。都市と文化（アート）の関係について考察しています。同著の中で、安易に企画した地域振興のためのアートプロジェクトの限界や、機能性、経済性を追求する都市づくりの問題を綴った理由について、こう話します。「東京には人口が一極集中してきたことから独自の発展を遂げ、さらに積極的に防災対策が施されました。一方で地方はずっと、東京や海外にあるものをコピーする形でまちづくりが行われてきました。これからの日本は、地方の魅力を引き出したまちづくりがテーマになると思います」さらに大林さんは「その都市でしか見られない建築やアートを活用した好例を紹介し、既存の文化や歴史的なスポットをうまく紡ぎ合わせ、いかに新しい環境としてアップデートすることが、地域創生のために重要かを提示したかった」と、話します。同著は大林さんのポリシーとそれまでの経験を立体的に編んだ作品のような書籍となっています。

芸術作品と地域の産業に出会える、アートプロジェクト

Obayashi also serves as the Chairperson of the Organising Committee for the international art festival, Aichi Triennale 2022 (dates: 30th July 2022 to 10th October 2022). He shares his thoughts on this festival as an art project that marries regional characteristics and art.

大林さんが組織委員会会長を務める、国際芸術祭「あいち 2022」（会期：2022 年 7 月 30 日〜2022 年 10 月10 日）について、地域性とアートプロジェクトの融合という視点で語っていただきました。

“This year, the four main venues include the Aichi Arts Centre; Ichinomiya City; Tokoname City; and Arimatsu, Nagoya City. We hope visitors from within the country as well as overseas will rediscover the regional attractions of Japan through Aichi Triennale 2022.”

「今回、会場は愛知県名古屋市の愛知芸術文化センターのほか、一宮市、常滑市、名古屋市有松地区の 4 つのエリアに会場が設置されます。『あいち 2022』をきっかけに、国内外の来場者の方々に日本の地方の魅力を再発見していただきたいですね」

“The festival has such a rich content this year that we hope visitors would make it at least an overnight trip,” he says. “Staying overnight is important for getting to know the region. You can experience the food culture and the industries specif ic to the locality, such as the ceramics of Tokoname, the textiles of Ichinomiya, the shibori tie-dying of the Arimatsu district.”

さらに「今回は最低 1 泊は滞在してゆっくり味わっていただきたい内容です」と、続ける大林さん。「宿泊することは、地方を知るために大事」なのだと言います。「食文化も体験できますし、常滑の焼き物、一宮の繊維、有松地区の絞りといった地域の産業も感じられます」

In the four locations, they are planning to set up venues that not only exhibit invaluable artworks but also highlight the unique characteristics of the region.

4 つの会場では、価値の高い芸術作品の展示のみならず、地域の個性も引き出した空間が立ち上がることになりそうです。

A World Where the Old and the New Coexist

古いものと新しいものが両方ある世界がいい

At the end of the interview, when asked about what kind of world he wants to see in the future, Obayashi says, “I like works by contemporary artists but vintage antiques as well — I’m also drawn to timeless masterpieces that don’t fade with the passing of time. I want to see a world where those things coexist: a world of diversity, of various cultures blending together.”

インタビューの最後に、今後見たい風景や景色を尋ねると、「私は現代アーティストの作品も好きですが、古いアンティークも好きで、時代を経ても色あせない名品にも惹かれます。そういったものが共存する世界がいい。多様さがあって、色々な文化が混じった世界が見たいと思います」と、語った大林さん。

His words, which embody his creative point of view while also valuing modern functionality, stem from his stance as the leader of a building firm, maintaining a balanced perspective that ranges beyond art.

その答えはクリエイティブな着眼点を必要としながらも、現代的な機能性も大切にする、アート志向だけに傾倒しない建設会社トップのスタンスにも通じる言葉でした。

Gen de Art June 2022

Twitter ｜ @Aichi2022 Facebook ｜ Aichi2022 Instagram ｜ aichi2022 #あいち2022 #Aichi2022 #stillalive YouTube ｜ https ://www.youtube.com/channel/UCkBaVn7̲cuCnuUcHrnq6E2A 公式Webサイト｜ https ://aichitriennale.jp/ *パフォーミングアーツチケットは、6月以降順次発売予定。 *Tickets for performing arts programs will be released sequentially from June.

ニャカロ・マレケ《Enclosed》2020, Photo : Andrew Wessels, Courtesy of the artist.

愛知県政150周年記念事業

今 ︑を生き抜くアートのちから

Secretariat : 1-13-2 Higashisakura, Higashi-ku, Nagoya, Aichi 461-8525, Japan TEL : +81-52-971-3111 / FAX : +81-52-971-6115

月日販売開始

芸術監督｜片岡真実（森美術館館長、国際美術館会議（CIMAM）会長）Artistic Director : Kataoka Mami（Director of the Mori Art Museum and President of the CIMAM）主催｜国際芸術祭「あいち」組織委員会 Organizer : Aichi Triennale Organizing Committee 事務局｜〒461- 8525 愛知県名古屋市東区東桜1-13 -2 愛知芸術文化センター内 TEL : 052-971-3111 / FAX : 052-971- 6115

現代美術展前売チケット

主な会場｜愛知芸術文化センター、一宮市、常滑市、有松地区（名古屋市） Main Venues : Aichi Arts Center, Ichinomiya City, Tokoname City, Arimatsu（Nagoya City）

Contemporary Art Exhibition tickets on sale from April 1st

2022年7月30日｜土｜― 10月10日｜月・祝｜［73日間］ July 30th Sat ― October 10th Mon/holiday, 2022［73days］

Aichi Triennale 2022 International Art Festival STILL ALIVE

Aichi Triennale Aichi Triennale 2022 is one of the biggest art festivals in Japan, featuring a hundred artists from 32 countries and regions in the world across five continents. It will take place in a wide region, including the Aichi Arts Centre and other city venues across Aichi Prefecture. The festival will range over diverse genres, from contemporary art to performing arts, learning programmes, and more, bringing the most exciting art to Aichi. The theme of Aichi Triennale 2022, “STILL ALIVE,” was inspired by a series of works entitled I Am Still Alive by the Aichi-born and world-renowned conceptual artist On Kawara, in which he continually sent telegrams to various people from the 1970s onwards, bearing the message that he is still alive. Aichi Triennale 2022 will interpret this theme from multiple perspectives, revisiting the origins of contemporary art and exploring the gaps between domains that have become fixed categories, while traversing back and forth across the past, the present, and the future. Through artistic expression, the festival promises encounters with uncertainty, the unknown, diverse values, and overwhelming beauty. These encounters also offer an opportunity to think about how we can work together to create an ideal, sustainable future. Theme: STILL ALIVE Artistic Director: Mami Kataoka (Director, Mori Art Museum; President, CIMAM) Dates: 30th July 2022 (Saturday) – 10th October 2022 (Monday; public holiday) [73 days] Main Venue: Aichi Arts Centre; Ichinomiya City; Tokoname City; Arimatsu, Nagoya City Aichi Triennale Organising Committee (Chairperson Takeo Obayashi (Chairperson of the Board, Obayashi Corporation))

国際芸術祭「あいち 2022」 STILL ALIVE 今、を生き抜くアートのちから「あいち」の国際芸術祭「あいち 2022」は国内最大規模の芸術祭の一つで、世界 32 の国と地域、五大陸から、100 組のアーティストが参加します。愛知芸術文化センターのほか、県内の都市のまちなかにも広域に展開します。現代美術、パフォーミングアーツ、ラーニング・プログラムなど、ジャンルを横断し、最先端の芸術を「あいち」から発信します。国際芸術祭「あいち 2022」のテーマ「STILL ALIVE」は、愛知県出身で世界的に評価されるコンセプチュアル・アーティスト河原温が、1970 年代以降電報で自身の生存を発信し続けた《I Am Still Alive》シリーズに着想を得ています。「あいち 2022」は、この「STILL ALIVE」を多角的に解釈し、過去、現在、未来という時間軸を往来しながら、現代美術の源流を再訪すると同時に、類型化されてきた領域の狭間にも注目します。そして、芸術表現を通して不確かさや未知の世界、多様な価値観、圧倒的な美しさと出会い、そこからいかに理想的で持続可能な未来を共につくりあげられるのかを考える機会となるでしょう。テーマ：STILL ALIVE 今、を生き抜くアートのちから芸術監督：片岡真実（森美術館館長、国際美術館会議（CIMAM）会長会期：2022 年 7 月 30 日（土）～ 10 月 10 日（月・祝）［73 日間］主な会場：愛知芸術文化センター／一宮市／常滑市／有松地区（名古屋市）主催：国際芸術祭「あいち」組織委員会（会長大林剛郎（株式会社大林組代表取締役会長）） Gen de Art June 2022

ART

ISAO ONISHI

SEITARO KURODA

TAKEO OBAYASHI

SOUUN TAKEDA

好奇心から「楽」の追求そして感謝へ書道家武田双雲の哲学

The Philosophy of the Calligrapher

SOUUN TAKEDA Curiosity, Joy, and Gratitude When you meet Souun Takeda, you get the impression that he is lively and cheerful. Renowned for his calligraphy as well as his work as a contemporary artist, Takeda inspires many people through his joyful, positive way of living. Souun Takeda was born in 1975 in Kumamoto Prefecture, and he trained under his mother and professional calligrapher, Souyou Takeda. After graduating from Tokyo University of Science, he joined NTT where he worked for three years before turning to the path of the calligrapher. Since then, he has worked on numerous projects, including the title lettering and logos of many films and TV programmes. In recent years, he has been expanding the range of his activities overseas. We spoke to him about his philosophy at the root of his positive energy. 「明るい」「楽しい」という言葉が似合う武田双雲さんは、書道家としての活躍はもちろん、現代アーティストとしても注目を集めています。明るく前向きな生き方は、多くの人に活力を与えています。武田双雲さんは、1975 年に熊本県に生まれ、書家である母・武田双葉に師事しています。東京理科大学卒業後、NTT に入社し 3 年の勤務を経て書道家の道を歩みます。映画やテレビなど数多くの題字やロゴを手掛け、近年は海外へ活躍の場を広げています。武田双雲さんの明るさの源となる哲学についてお話を伺いました。

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好奇心と感謝だけで生きると決めた

Choosing to Live by Curiosity and Gratitude Since his mother is a professional calligrapher, Souun Takeda first took up calligraphy at the age of three. He was brimming with lively curiosity as a child, always wondering why the strokes of a character are written in a fixed order, or what sets apart “bad” calligraphy from “good.” He often played around with calligraphy, loosening up the strokes or writing faintly on purpose. Takeda studied engineering at university; even now, his mind is full of thoughts of atoms and equations, and he has a wealth of knowledge on the sciences. When it comes to calligraphy, it’s not as if he feels a compulsion to write. Rather, what he holds on to is his gratitude for and curiosity towards his existence in the present, a point in the long galactic time. “Ever since I became independent,” Takeda says eagerly, “these 母親が書家という環境から 3 歳から書道を始めた武田さん。しかし、幼少期は「なぜ字は書き順が決まっているのか」「下手と上手の違いは何」など好奇心の強いお子さんだったと言います。わざと字を崩して書いたり、薄く書いたりして字で遊ぶことも多かったそうです。大学が理系ということで、武田さんは今でも頭の中は原子や数式に溢れていて、知識も豊富です。書に対しても「書かなければならない」という気持ちはなく、長い銀河系の時間の中で今ここにいる感謝の気持ちと好奇心だけを持つようにしていると語ってくれました。

twenty years have been nothing short of heaven. Every day is a paradise.” During our interview, he showed us how he creates a piece of artwork, following his inspiration and using India ink in many vibrant colours. Since the beginning of his calligraphy career, his mindset has always been that he is “being allowed to participate” in the history and culture of calligraphy, as well as in the techniques that the people of the craft have developed over time, never forgetting that words and kanji characters existed long before him. Once he decided to live only by curiosity and gratitude, he has been keeping control of himself to try not to have other kinds of emotions. Every morning, he says with a boyish sparkle in his eyes, “I adjust my mind to align with ‘relax and enjoy’ before getting up, so I never stop smiling throughout the day.” 「独立してからの 20 年間があまりにも天国。毎日がパラダイス」と嬉しそうに語る武田さん。取材の際も様々な色の墨汁を感性のままに使い作品を制作してくださいました。自分が言葉や漢字を作ったわけではなく、書道の歴史や文化、職人が培ってきた技術の中に「参加させてもらっている」という気持ちで独立してからの 20 年間を過ごしてきたそうです。好奇心と感謝だけで生きると決めてからは、それ以外の感情をあまり持たないようにコントロールしてきたといいます。毎朝「自分の心をリラックス＆エンジョイに整えてから起きるから笑いが絶えない」と語るその眼は、少年のようにキラキラと輝いていました。 Gen de Art June 2022

Being Mindful of Each Gesture Sets Life “Free” When asked why he chose the character “ 楽 ”(raku or gaku) as his kanji to represent life, he answers that this kanji signifies relaxation and enjoyment. For him, positive energy and having fun give birth to calligraphy and art. When it comes to relaxation and joy, it seems, he has it all covered. One experience that encouraged him to become independent as a calligrapher was when he saw that his work had made someone cry. He was intrigued by what his work — something merely drawn with a brush — communicated to the viewer to move them so much. For him, such a feeling of being moved is about wonder. “I wonder at everything. Even myself. Trillions of cells are in my body, collaborating without thinking. I appreciate what god has made, and I am overcome with wonder and gratitude.” This feeling seems to be at the heart of his creative practice. “I like having fun, so I can do that naturally,” says Takeda. “But it’s easy to take things for granted and forget to be thankful for them. So I’m conscious about being grateful.” In order to do so, he controls his bearing. Looking into human behaviour led him to realise that, while it is difficult to control your emotions, you can stabilise your emotions by putting on a peaceful expression. It’s possible that being mindful of each movement you make in equanimity naturally allows the emotions of gratitude to come out. “If you only look at things negatively, there’s no wonder or gratitude,” he continues. “The deeper my wonder is, the more I want to try everything to convey how wonderful this world is. The negative aspects are only a part of it. If you look at the whole, the world is wonderful — that’s what I’d like to convey.”

丁寧に味わう所作が人生を「楽」にする人生の漢字を「楽」にした理由をお聞きしました。楽という漢字には、リラックスとエンジョイの意味が込められているから。「明るさや楽しさは書道やアートになる」と教えてくれました。「リラックスとエンジョイは自分に任せて」と言えるような気持ちが「楽」には込められているのではないでしょうか。書道家として独立するきっかけは、自分の作品に涙を流している人を見たからなのだそうです。筆で描いただけの作品に何が伝わり感動させているのか興味をもったそうです。武田さんにとって、感動とはどのようなものなのでしょうか。「すべてに感動します。自分にも感動します。何十兆個もの細胞が自分の中で何も考えずにコラボして。神様の作ったことを鑑賞して感動して感謝が湧いてくる。」感動と感謝が制作の根本にあることを感じさせる言葉です。武田さんは「楽しむことは好きだから自然にできる。ただ、感謝することは当たり前になって忘れてしまう。だからこそ意識して感謝するようにしている」といいます。意識して感謝するために行っていることが所作のコントロールです。人間を研究し、感情をコントロールすることは難しいけれど、和やかな顔「和顔」をすることで感情が安定すると感じたそうです。安定した感情の中で一つ一つの所作を丁寧に行えば感謝の気持ちも自然と湧き出てくるのかもしれません。続けて「否定的な見方ばかりでは、感動も感謝も生まれない。感動が深いほど何とか工夫してこの世の素晴らしさを伝えたい。否定的な情報はほんの一部で全体をみれば世界は素晴らしいと伝えたい」と語ってくれました。

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To Contribute, Not to Advance For his current project, Takeda is making washi paper in a washi studio and writing on these pieces of paper while they are still wet. His writing in white on spotless white paper gives the impression of purity. Sometimes people describe Takeda as “pure,” too. He says, “I always live in the present, the ‘now,’ so I don’t have a timeline.” Instead of focusing on schemes or ambitions for the future, he embraces the wonder and gratitude of the present. Takeda believes that his works might speak to some people in a way that makes them realise pure emotions they had forgotten, whether by clinging to their stature or by bearing a burden from their past. In the future, Takeda wants to keep being grateful to the history of calligraphy and its timehonoured technique. He also hopes to spread the wonders of Japan to other countries. To do so, he will begin with accepting and being thankful for the cultures of those countries. The important thing is not just to communicate what you want to communicate, but to stand in the other person’s shoes and think about what makes them feel happiness and contentment. Art is a form of communication between the maker and the viewer. His aim for the future is not to “advance,” but to “contribute.” Calligraphy is an art form of words, and even just by the calligrapher’s choice of words, it functions as a communication. Takeda’s works, however, have something in them that goes beyond words. One way to put this, perhaps, is wonder and gratitude. His works have the power to speak to people around the world regardless of their languages because his art resonates with the universal emotions of joy and gratitude.

武田さんは、ポジションへのこだわりや背負った過去によって忘れてしまったピュアな感情に自身の作品を通して気がつく人がいるのかもしれないと語っています。これからの活動については、まずは自身が書道の歴史や職人の技術に感謝し、それから日本の素晴らしさを海外に伝えていきたいそうです。相手の文化を受け入れて感謝することから始めたい。自分が伝えたいことだけ伝えるのではなく、相手の立場になって「何に幸せを感じるのか」を考えることが重要と考えているそうです。アートは、作る人と見る人とのコミュニケーションです。これから目指すことは海外 “ 進出 ” ではなく “ 貢献 ” と語ってくれました。

これからも進出ではなく貢献をしたい

現在武田さんは、和紙工房で和紙を手作りし濡れている状態の和紙に手で字を書く作品を制作しています。真っ白い紙に白い字を書く作品は、まさにピュアな作品です。武田さんは自身も「ピュア」と言われることがあるそうです。「“ 今 ” の人生を生きているので自分には時間軸がない」という言葉からは、将来の計画や野望よりもピュアな感動と感謝で今を楽しんでいることが伝わってきます。

書道は言葉であり、言葉を選ぶだけでコミュニケーションとしての役割は果たします。しかし、武田さんの作品は言葉では言い表せない伝わるものがあります。それは感動であり感謝なのかもしれません。言葉が通じない海外でも心をとらえている理由は、世界共通の感覚「楽」「感謝」が人々の心に響いているからではないでしょうか。

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FINE DINING The sum mer issue t ur ns to t he Japa nese cu l ina r y creators for

inspiration in finding new approaches to simple pleasures in life.

Hiroy uk i Ka nda, founder of Ka nda in Tora nomon Hills, Tok yo,

speaks of his faithfulness to the traditions of Japanese cuisine, but acknowledges the importance of a creative take on familiar dishes. In turn, Kenta Kayama, the head chef at “Margotto e baciare” in NishiAzabu, Tokyo, talks of the multiple sources of inspiration in his work.

夏号は、人生のシンプルな楽しみへの新しいアプローチを見つけるためのインスピレーションを日本の料理人から得ることにしましょう。東京・虎ノ門ヒルズの「かんだ」神田裕行は、日本料理の伝統に忠実であると語りますが、身近な料理を創造的に取り入れることの重要性を教えてくれます。次に、東京・西麻布の「マルゴット・エ・バッチャーレ」の料理長である加山賢太が、彼の生み出す料理のさまざまなインスピレーションの源について話してくれます。

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FINE DINNING

Unravelling the origins of creativity and craftsmanship HIROYUKI KANDA

In 1963, Hiroyuki Kanda was born as the eldest son of a family running a highclass Japanese restaurant in Tokushima prefecture. After graduating from senior high school, he trained in traditional Japanese cooking for five years in Osaka, then moved to France. In Paris, he served as the chef of a Japanese restaurant for five years. Upon returning to Japan, he worked at the celebrated Japanese restaurant Aoyagi in Tokushima and Basara in Akasaka, Tokyo, before becoming independent in 2004. Now thriving as the owner and chef of Kanda in Toranomon Hills, Tokyo, he creates dishes that remain faithful to orthodox Japanese cuisine but with his own imaginative flourish. He shared with us his wide-ranging perspectives on the subjects he is most interested in.

KANDA / MARGOTTO E BACIARE 75

神田裕行の創造性と職人としての原点を紐解く 1963 年、徳島県の料亭を営む家に長男として生まれた神田裕行さん。高校卒業後に大阪の割烹で 5 年間修行し、渡仏。パリの日本料理店で 5 年間料理長を務めました。帰国後は徳島の名料亭「青柳」、東京・赤坂の「basara」を経て、2004 年に独立。現在、虎ノ門ヒルズ「日本料理かんだ」のオーナーシェフとして腕を振るっています。和食の王道を貫きながら独創的な一皿を生み出す神田さんが関心を寄せる対象と眼差しを追いました。

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Chef Kanda preparing ingredients 仕込みをする神田シェフ

The restaurant Kanda, which has been winning three stars in the Michelin Guide Tokyo for many years in a row, is a minimalistic. Since the chef is attentive to everything that goes on in this space, there is no menu set down on paper. Instead, he serves the meal and the drinks that are perfectly tuned to each individual guest, in impeccable timing. Although the world of Japanese cuisine gives the impression of being conventional, Kanda is different. He strongly believes it needs to be f lexible enough to ref lect the changing times and to appeal to an international audience. He had the same stance when he was an apprentice: rather than cling to Japan, he set off for Paris at twenty-three. “At the time, I had the idea that Japanese cuisine should incorporate ingredients from overseas and absorb foreign techniques. So I decided that it would be quicker for me to go there myself and learn directly, instead of waiting for the information to come to me.” Kanda places great emphasis on the material for cooking, and it was the culinary ingredients in Paris that left a deep impression on him. “The same kinds of vegetables or fish you’d find in Japan had such different f lavours. This made me review all the ingredients that we use at the restaurant. I also travelled to various places in France where those produce had come from, both on the coast and in the mountains, and I learned so much from that experience.” He has held a keen interest in culinary ingredients and their production since his twenties. As a result, he is very active in supporting producers: in 2010, he joined hands with five chefs and founded the NPO “FUUDO.”

『ミシュランガイド東京』で、三ツ星を連続で獲得し続けている「日本料理かんだ」は、ミニマルで洗練された空間。料理人の目が行き届くこの店に紙のメニューはなく、その日に訪れたゲストに応じ、あうんの呼吸で料理とお酒を出していきます。保守的な印象が強い日本料理の世界ですが、神田さんは、料理に時代性を反映することや、海外の人にも提供できる適応力は必要だと言い切ります。

一流料理人が感化されたパリの食材

The influence of Paris’s culinary resources

「日本にもある食材でも味わいが違う」

“The same ingredients you’d find in Japan had such different flavours”:

修行の場も日本に固執せず、23 歳でパリに向かっています。「この頃、日本料理は海外の食材を取り入れ、海外の調理技術を吸収するべきだと考えていました。それなら情報が来るのを待つより、自分が直接行って学んだ方が早いだろうと考えたのです。」素材の力を重視する神田さんが、パリで感化されたものも食材でした。「日本にもあるような野菜や魚でも、食材の味わいは大きく異なるものだったのです。店で使う食材は、全て見直すことにしました。そしてフランスの海や山、畑といったさまざまな産地に出向き、多くのことを学びました。」 20 代の頃から持っていた素材や産地への強い関心は、後に食材のつくり手である生産者への支援活動へとつながり、2010 年には仲間のシェフ 5 人と NPO 法人「FUUDO」を設立しました。

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Stimulated by encounters with people through his work, Kanda is especially devoted to programmes for the production of rice, the crop at the heart of Japanese culture. “Every year, in the seasons for planting and harvesting, I go with more than a hundred young people to Minamiuonuma in Niigata prefecture, to help out at a rice farm that makes the rice for my restaurant.” In addition, he has developed his own brand of Japanese sake, called “Ultra Refined Pure Sake: Produced by Kanda,” which is sold online. A luxurious sake, it is brewed from Yamada Nishiki rice grown in Hyogo prefecture. The grains are milled and polished up to fifty per cent, fermented into sake, then matured for one year at three degrees below freezing point. This new junmai-daigin’jyoshu, or highly refined sake made of pure rice, brings out the deep umami of rice to the maximum and is a superb companion to food. “The junmai-daigin’jyo is a wonderful kind of sake,” says Kanda. “You could say it’s one ideal form of Japanese sake. But due to reasons related to management and distribution, it often ends up on the store shelves too quickly. In many cases, people are drinking sake that have just been made.”

From growing rice to making sake: On sustainable production and Japan’s unique culinary culture

When Japanese sake is matured over time, the sugar content lightens and the taste settles down, giving it a deeper, more rounded flavour. However, it is difficult to store the sake during its fermentation while maintaining its quality. “Another problem is that in Japan’s liquor tax law, you must pay tax at the time of purchase from the supplier. That’s why liquor shops in Japan tend to put the bottles up in the shop as soon as they stock them. There was no system in place to store sake properly to let it rest. So about five years ago, I worked together with a sake producer to create a new system based on advance payments, so that the Junmai Daiginjo can be matured without putting extra burden on the liquor shops.” The label on “Ultra Refined Pure Sake: Produced by Kanda” shows Kanda’s own calligraphy, printed on the Awa washi from Tokushima prefecture. Every detail of the bottle reflects Kanda’s aesthetics. Its cap, for instance, is made using the same methods as “Satsuma buttons,” which draws on the exquisite painting technique of the traditional White Satsuma ware from Kagoshima prefecture. Each bottle is wrapped in a tenugui cloth dyed in Awa indigo. In recent times, the restaurant industry suffered a considerable blow from the COVID-19 pandemic, and there are concerns about the loss of diverse food cultures. Kanda, with his wide-ranging perspective that includes systems of distribution and production, argues for the importance of protecting Japan’s food resources. “Japan is a nation surrounded by the sea, and we have resources for food all around us. We should be considering a self-sufficient system of production that doesn’t rely on other countries. We should increase our self-sufficiency rate and the ratio of agricultural and maricultural products within the country. Moreover, if we keep consuming as we’ve been doing so far, we’ll likely lose our valuable resources. It’s time to think about sustainability in the ocean, the mountains, and the farms.” Kanda’s vision spans over the future of production sites. With the firm conviction and creative energy of a craftsman and a master of culinary arts, he is realising his ideas one step at a time.

Chef Kanda pours some “Ultra Refined Pure Sake: Produced by Kanda” into a cup from Kimura Glass 神田撰純米大吟醸を木村硝子のグラスに注ぐ神田シェフ

「店で使用する米をつくってもらっている新潟県南魚沼の田んぼの田植えや稲刈りの時期には、100 人近くの若い人たちと一緒に作業を手伝いに行きます。」

持続可能な生産と日本固有の食文化への想い

さらに日本酒「かんだ撰純米大吟醸酒」のプロデュースも行い、オンラインで販売しています。兵庫県で栽培された山田錦を 50％まで贅沢に磨き上げ、醸成させた後に氷点下３度で一年間熟成。米の旨味を最大限に引き出した、料理とも相性のいい新しい純米大吟醸酒を生み出しました。「純米大吟醸は素晴らしい酒です。日本酒のひとつの理想形でしょう。ただ管理や流通の事情ですぐに店頭に出されてしまう。残念ながら、作った直後のものを飲んでいることが多いのです。」日本酒は寝かせると糖分が抜けて味が落ち着き、奥行きのある味わいになります。ですが、熟成期間中に酒の品質を保ちながら保存することは難しいと言います。

米づくりから酒づくりまで

仕事を通じた出会いに触発されたこともあり、食材の中でも日本人のソウルフードである米には、労力を惜しまない取り組みを行なっています。

Ultra Refined Pure Sake: Produced by Kanda 神田撰純米大吟醸

「さらに日本の酒税法は、仕入れのタイミングで税金を払わなければなりません。そのため、日本の酒屋はすぐに店頭に出してしまう。今まで日本酒を寝かせるためのシステムがなかったのです。そこで僕は五年ほど前に酒蔵と共同して、前払い制にし、酒屋に負担をかけない純米大吟醸を熟成させるためのシステムをつくりました。」「かんだ撰純米大吟醸酒」のラベルは神田さんの直筆で、徳島の阿波和紙を使用。鹿児島の伝統工芸品「白薩摩」の絵付け技術を駆使する「薩摩ボタン」の手法で製作したキャップや、阿波藍で染めた手ぬぐいで日本酒のボトルを包むなど、隅々まで神田さんの美意識が反映されています。そして、新型コロナウイルスで外食産業が大きな打撃を受け、多様な食文化が失われることが懸念される昨今。流通や生産のシステムまで見据えた高い視座を持つ神田さんは、日本の食の資源を守ることの重要性を説きます。「日本は海に囲まれた海洋国家で、食材は周りにありますから、他国に頼らず自国で完結するような生産の体制を検討するべきではないでしょうか。食料自給率を上げ、国内での生産の割合を増やすべきです。また、今までのように消費していれば、大切な資源が失われることになりかねません。海と山、畑のサステナビリティを考える時期だと感じています。」生産地の未来までを見据えた構想は、食のプロフェッショナルである職人の強い信念と創造力をもって、着々と実現しつつありました。

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‘We’re not artists’ The artistry born of a craftsman’s hands Naturally, Kanda’s originality shines most of all in his culinary creations. He says that the sensibility and inspiration for his work are highly intuitive, deriving from years of experience.

a leading practitioner of a different field: he is working on building a new restaurant with the ar tist and architect Hiroshi Sugimoto.

“I think of cooking as something like this: you touch the ingredients with your right hand, they pass through the filter of your body, and they come out from your left hand.”

“Mr Sugimoto’s sensibility, of course, is in the artist camp. We’re envisioning a new space that combines his worldview as an artist and my worldview as a chef.”

Japanese cuisine is often compared to works of art, for it integrates the colours of nature and seasonal ingredients, requiring a delicate sensibility on the part of the chef.

It has been about twenty years since he opened his restaurant Kanda. Internationally recognised as a chef, Kanda will be turning sixty soon. Even now, he is eager to keep creating in new ways: “I want to cook more freely, drawing on my own intuition.”

“We’re proud that we’re not artists, but artisans,” says Kanda, regarding his own work. “Many works of ar t have been created by craftspeople. Cooking, too, involves artistry. I always want to be a craftsman myself, and I hope to imbue the flavour of my cooking with artistry.” Kanda is reaching for new heights by collaborating with

Kanda is always earnest in his approach to culinary material, and he is constantly exploring new possibilities for cooking, with a supple sensibility that is never bound by preconceived ideas. We glimpsed the essence of a craftsman of Japan who makes beauty blossom in a single dish.

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fi{ ˜pxsM x´ fl 職人の手から生み出される芸術性神田さんの創造性は、やはり器の中で最上の輝きを見せます。こうした感性や発想力は、経験から培われた非常に感覚的なものだと言います。「料理というのは、右手で食材を触ると、それが体の中のフィルターを通って、左手から出てくるようなものだと思っています。」自然の色彩や旬を取り入れ、繊細な感性が求められる日本料理は芸術作品に例えられることも少なくありません。神田さんは自身の仕事についてこのように語ります。「僕らはアーティストではなく、職人だと自負しています。ただ、多くの芸術が職人の手から生まれてきました。料理にも芸術性が宿ることがあります。僕自身も職人であろうと思っていますし、料理の味わいの中に芸術性が込められたらと思っています。」そんな神田さんが異分野のトップランナーとコラボレーションして新境地に挑戦。現代美術家の杉本博司さんが建築を手がける新しい店づくりに取り組んでいます。「杉本さんの感性はやはりアート畑のものですね。アーティストの世界観と僕の料理人としての世界観を融合させた、新しい空間を目指しています。」世界に認められた料理人である神田さんが、「かんだ」を開店して約 20 年。もうすぐ還暦を迎える今も、「もっと自分の感性で自由に料理をしたいと思っています」と、創作意欲を覗かせます。素材と真摯に向き合い、探究心を持ち続け、固定観念に囚われない柔軟な感性で料理と向き合う神田さん。美を器の中で結実させる和の職人の極意を垣間見ることができました。

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FINE DINNING

Magic of Fragrance and Temperature:

The Sensibility of KENTA KAYAMA, Head Chef at “MARGOTTO E BACIARE” Kenta Kayama is the head chef at “Margotto e baciare” in NishiAzabu, Tok yo. Born in 1984 in Hiroshima Prefecture, Kayama worked at “Mona Lisa,” “Motoazabu Kanda,” “Lew’s,” “L’Atelier de Joel Robuchon,” and “Quintessence.” In 2015, he was selected as the finalist in the “RED U35” Gold Egg, the biggest competition for chefs in Japan. In 2017, he became the first Japanese chef to be named “upand-coming chef” by the International Gastronomy Society. With his spectacular career and innovative dishes shaped by his keen senses, Kayama has attracted the attention of people around the world. We spoke with him to explore the sources of his inspiration.

KANDA / MARGOTTO E BACIARE 85

香りと温度感の魔術師

「

」料理長 Margotto e baciare シェフの

加山賢太

感性に刻まれた厨房の記憶

西麻布「Margotto e baciare」料理長。1984 年、広島県出身。「モナリザ」「元麻布かんだ」「リューズ」「ラトリエ・ドゥ・ジョエル・ロブション」「カンテサンス」に勤務。2015 年に若い才能を発掘する、日本最大級の料理人コンペティション「RED U35」ゴールドエッグのファイナリストに選出され、2017 年に国際ガストロノミー学会「新進気鋭シェフ」に日本人で初めて選出される快挙を成し遂げるなど、華々しい経歴を持った世界が注目するシェフ加山賢太さん。彼の五感を通して生み出される斬新な料理の数々。その発想の源を探ります。

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Chef Kenta Kayama 加山賢太シェフ

Kayama’s Mastery of Temperature and Fragrance: A Sensation that Left a Deep Impression 温度と香りを自在に操る加山シェフが強い影響を受けた感覚の記憶 “Margotto e baciare” is a French restaurant known for using truff les of the highest quality. Drawing on his experience of training in both Japanese and French restaurants, Kayama treads a fine line between the two cuisines, careful not to turn his creations into “Japanese French.” “The motto of our restaurant,” says Kayama, “is to offer French cuisine that’s both classical and contemporary, filtered through my Japanese perspective into dishes that feel familiar, comforting, and delightful. Our aim is to make dishes that will be loved by everyone.” Behind Kayama’s calm demeanor, one can sense the delicate, perceptive sensibility of an incredibly sharp person. It shines through especially when he shares his painstaking attention to temperature. In his restaurant, t h e y s e r ve d i s h e s t h a t br i n g ou t t h e p a r t i c u l a r characteristics and flagrant flavours of the ingredients at precisely the right temperature.

「Margotto e baciare（マルゴット・エ・バッチャーレ）」は、最高峰のトリュフを使った料理で知られるフレンチレストラン。日本料理店とフランス料理店で修行を積んだ経験を武器に、提供するメニューは絶妙なラインを狙い「ジャパニーズフレンチにならないように心掛けている」と言います。

He is a tr ue master of f la g rance and temperat ure, controlling each at will. What laid his foundations as a chef was the presence of his father.

「フランスのクラシカルな料理でありながら現代的でもある。そして日本人である僕のフィルターを通した、食べやすくて安心なおいしい料理を出すことがうちの店のモットーです。いい意味で万人受けする料理を目指しています」

“By the time I was in elementary school, I was helping out at my father’s restaurant, so I often watched what went on in the kitchen. The smoke wafting up from the frying pan, the steam from the arranged dishes, the smiles on the customer’s faces when they saw their dishes, and the plates that came back to the kitchen sparkling clean. I thought my father was a magician.” “I can still picture those scenes as if they happened yesterday,” says Kayama. Back then, he had yet to realise that what he was sensing there was “temperature,” but it was still “a formative experience for me as a chef.” “So the dishes we serve are really steaming hot,” he says. “It would be unthinkable at other restaurants.” His vivid memories of the five senses formed his core as a professional chef.

クールな語りの中に繊細で鋭い感性を感じさせる加山さんの印象は、まさに切れ者といったところ。その凄みをとくに感じるのが温度へのこだわりです。店では、食材の持つ個性と味わいを引き出した料理を、香りと共に適切な温度感をもってサーブします。この温度と香りを自在に操る加山さんの基礎を形づくったのが、料理人である父の存在でした。「小学生の頃には父親の店を手伝っていたので、厨房をよく見ていました。フライパンから上がる煙、盛り付けした皿から上がる湯気、お客様が料理を見たときの笑顔、そしてピカピカになって戻ってくるお皿。父親は魔法使いだと思っていました」「そのときの情景はいまだに目に焼き付いている」と加山さん。当時自分が感じていたものの正体が『温度感』とは知り得なかったものの、「料理人である僕が、強く影響を受けた経験だった」と、振り返ります。「だからうちの料理は本当にアツアツなんです。他のレストランではあり得ないくらい」過去に刻まれた感覚の記憶が、料理人としての核となっていました。

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“Controlling the senses”: The Key to Match-making Margot’s concept is “haute couture for each table.” In their thorough attention to every detail, they were influenced by Hiroyuki Kanda, the head chef at the celebrated Japanese restaurant “Kanda,” who is always attentive to his guests. Kayama looks up to Kanda as his mentor: “His style of serving food while imagining how the expressions on the customer’s face will change in half an hour or an hour is something I constantly keep in mind, right after the temperature.” It was through Kanda’s recommendation that Kayama was appointed as an ambassador for KRUG, one of the most prestigious Champagne houses in the world. Every year from 2015 to 2020, KRUG hosted the “WORLD OF CRAFT DINNER,” in which they chose one ingredient as the main theme, and ambassador chefs from various countries around the world proposed a dish that would make a nice match with KRUG’s champagne. For the fifth and final year, they organised “WORLD OF CRAFT,” looking back at the ingredients featured in each year of the event. As one of the ambassadors, Kayama also participated, showcasing his skills in five dishes, each with a different ingredient as its theme. “When mushrooms was the theme,” says Kayama, “I created the ‘Hairy crab and mushroom tart with black truffles’, expressing the complexity and evolution of ‘KRUG 2006.’” He believes truffles and KRUG is a perfect match. When asked what was the most important factor to consider in pairing truffles with KRUG, he answers, “Whenever you match a drink with a dish, it’s essential to control the human sensory perception.” He explains, “When the dish meets a glass of KRUG, the dish shouldn’t overwhelm the drink. But at the same time, if KRUG is always taking the lead, people would get used to it and won’t be moved by its delicious taste anymore.” This subtle attention to the senses of the person who tastes the food is part of what enables him to bring about these remarkable culinary marriages.

KRUG Brand Ambassador Timothy Beck and Chef Kenta Kayama KRUG ブランドアンバサダーのティモシー・ベック氏と加山賢太シェフ

A dish by Kenta Kayama using Krug Rosé 25ème Édition and premium quality onion. “KRUG & Oignon Voyage”: a journey through KRUG and onions. 「クリュッグロゼ 25 エディション」と最高峰の玉ねぎを使った加山賢太シェフの一皿。KRUG × Oninon Voyage クリュッグとオニオンを巡る旅

世界最高峰のシャンパーニュである KRUG のアンバサダーに就任したのも、神田さんからの推薦がきっかけだったとか。 KRUG が毎年ひとつの素材をテーマに設定し、世界各国のアンバサダーシェフが、KRUG とのペアリングが楽しめる料理を提案する「WORLD OF CRAFT DINNER（ワールド・オブ・クラフトディナー）」。2015 年から 5 年間開催され、2020 年には集大成として 5 年間の食材を振り返る「WORLD OF CRAFT」が実施されました。加山さんもアンバサダーのひとりとして、５つの食材でそれぞれ 5 品を考案し、腕を振るいました。

ペアリングで大切なのは「感覚を操る」こと

マルゴットのコンセプトは「テーブルごとのオートクチュール」。こうした行き届いた気配りは、ゲストに寄り添う日本料理の名店「かんだ」の料理長・神田裕行さんからの影響だと言います。神田さんを師匠と慕う加山さんは「お客様の 30 分後、1 時間後の表情を想像して料理を提供するスタイルは、温度の次にこだわっている」と話します。

「マッシュルームがテーマの料理で、僕が手がけたのは『毛蟹とマッシュルーム黒トリュフのタルト仕立て』。『KRUG 2006』の複雑性と変化のイメージを膨らませて完成させました」加山さんは「トリュフと KRUG の相性は完璧」と続けます。ではトリュフと KRUG をペアリングする上で、最も重要なこととは何でしょうか。尋ねてみると「飲み物と料理のペアリングは、人間の感覚を操ることがすごく大切」なのだとか。「KRUG と出合ったときに料理が勝ってはいけないし、だからといって、KRUG のおいしさがずっと先行していると、かえって人間の感覚は KRUG に感動しなくなってしまいます」味わう人の感覚への絶妙なアプローチが、至高のマリアージュを奏でる料理に生きていました。

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Opening a New Branch: Offering the Margotto Style “Margotto e baciare” plans to open its first branch restaurant, “Margotto Hawaii,” in Kaka’ako, Honolulu on the island of Oahu in June 2022. “I’ve always wanted to take on the challenge of opening a restaurant in the US,” Kayama says with enthusiasm. “I’d like to serve dishes specialising in truffles in the same style as the main restaurant in Nishi-Azabu. I hope to collaborate with KRUG for the Hawaiian branch as well.” Kayama’s culinary artistry, with his skillful control of flagrance and temperature, is sure to receive a hearty welcome.

Margotto e baciare マルゴット・エ・バッチャーレ

新店舗でも、マルゴットスタイルの料理を提供「Margotto e baciare」は 2022 年 6 月に初の支店となる「Margotto Hawaii」を、ハワイのオアフ島ホノルル州にあるカカアコにオープンする予定です。「アメリカへの出店はいつか挑戦したいと思っていました。西麻布の本店と同じスタイルで、トリュフに特化した料理を提供したいですね。ハワイのお店でも KRUG で何かできればと考えています」と、意気込みを語った加山さん。香りと温度感を意のままに操る加山さんの料理は、現地でも大いに歓迎されることが期待できそうです。

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JAPAN AIRLINES

JAL International First Class In-flight Meal

【Japanese-style meal】JAL original course produced by Ishikawa and Kohaku 【和食】「石かわ」「虎白」監修 JAL オリジナルコース

“The Restaurant in the Sky” offers a truly unique, oneof-a-kind Japanese dining experience only available in JAL’s first class f lights, which combines in one course Chef Ishikawa’s speciality of traditional, authentic, and exquisite Japanese cuisine and Chef Koizumi’s masterful use of innovative ingredients in a new Japanese cuisine. With this course, you can enjoy a meal that transcends the boundaries of in-flight dining, produced by two chefs of Japan’s world-renowned restaurants. 「空の上のレストラン」では、ひとつの和食コースの中に伝統的で正統な極上の和食を得意とする石川シェフの料理と、斬新な食材を自在に操り新しい和食に挑戦する小泉シェフの料理を組み合わせた、JAL ファーストクラスでしか体験できない世界で唯一の和食料理をお届けします。日本が世界に誇る和食の名店の両シェフがプロデュースする機内食の枠を超えた料理をお楽しみいただけるコースです。

JAL 国際線ファーストクラス機内食

【Western-style meal】Course produced by Quintessance 【洋食】「カンテサンス」監修おまかせコース

This collaboration menu is produced by Shuzo Kishida, chef of the restaurant Quintessence which has received three Michelin stars for 15 consecutive years. We developed the menu while keeping these questions in mind: “how to serve meals in the best condition on board” and “how to get as close to the ideal as possible.” An especially important element was the method of heating up the meal. Since Chef Kishida believes that the moment of creation is the best time to eat a dish, we explored different ways of warming up and arranging the food on board to offer the meal as if it was freshly cooked. In addition, passengers can now enjoy a full course designed by Chef Kishida, just like at Quintessence, instead of the serving style in our previous menu, where passengers chose each dish separately. We welcome you to relish Chef Kishida’s menu, which brings out the flavours of the ingredients to the full and is designed to maximise their delicious potential. ミシュランで 15 年連続三つ星店として掲載のレストラン「カンテサンス」の岸田周三シェフ監修による、コラボレーションメニューをご提供しています。「機内でいかに最高の状態で料理をご提供出来るか」「どうしたら理想に近づけるのか」を考えながらメニュー開発を進めてきました。特にこだわり抜いたのは、料理への “ 火の入れ方 ” です。出来上がった瞬間が一番だと考える岸田シェフの料理を、そのままの状態で召し上がっていただけるよう、機内での温め方や盛り付け方も試行錯誤を重ねました。また、これまでのお客様にお選び頂くコーススタイルを一新し「カンテサンス」と同様、岸田周三シェフのおまかせコースをお楽しみ頂けるスタイルで提供しています。素材の持ち味を最大限引き出し、そのおいしさを最も生かせる方法にこだわり抜いた岸田シェフのメニューをお楽しみください。

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JAPAN AIRLINES

JAL International First Class In-flight Meal

International First Class Drinks 国際線ファーストクラスドリンク

【SALON】 Ever since the first vintage was launched in 1921, Salon has been known as the “legendary champagne” because of its rarity, as it is only produced when the finest Chardonnay grapes are harvested. Salon can only be enjoyed on board JAL’s international first class flights. The 2007 vintage is remarkable for its particularly fresh hint of citrus, accompanied by the vigorous, minerallike notes of white pepper and lime. When served warm, the f lagrance becomes even more complex, resembling European pear or the yeast-like scent of bread. This champagne offers the strength and fullness that are the true mark of Salon. 1921 年に初ヴィンテージを発売して以来、最上質なシャルドネが収穫された年のみ生産するという希少価値から「幻のシャンパン」と呼ばれています。サロンを機上で味わえるのは JAL 国際線ファーストクラスのみです。 2007 ヴィンテージは特にフレッシュな柑橘系のニュアンスにホワイトペッパーや石灰などの溌剌さと鉱物的なニュアンスが特徴的です。また、温度をあげることで洋ナシやパンのようなイーストの風味が広がり、より香りが複雑になります。サロンらしい強さと充実した味わいをお楽しみいただけます。

【イチローズモルト秩父 JAL Exclusive】 This is a small-batch single malt whisky, vatted from the malt whisky of Chichibu, selected from over 10,000 casks in the cellar for their distinct Chichibu character and matured in bourbon barrels. 50.5% is not cask strength, but rather adjusted to the optimum point to convey the high quality of the product. You can enjoy the aroma as it slowly changes in the glass. The label as well as the content itself is a JAL original, only available in JAL’s international first class flights. 熟成庫に眠る 10,000 以上の樽の中から、秩父らしさが感じられる樽を選び、バーボンバレルで熟成された秩父の原酒をバッティングしたスモールバッチのシングルモルトです。50.5% はカスクストレングスではなく、その商品の良さが一番お伝えしやすいところまで度数調整されたもので、ゆっくりとグラスの中で香りが変化する様子をお楽しみいただけます。ラベルのみならず中身も JAL オリジナルであり、JAL 国際線ファーストクラスでのみお召し上がりいただける商品です。

JAL 国際線ファーストクラス機内食

JAL’s New Endeavours JAL の新たな試み

【ETHICAL CHOICE】 In order to meet the needs of all customers, we have launched a new service called “JAL Ethical Choice: Meal Skip Option,” available on certain routes, which enables customers to notify us in advance when they do not require in-f light meals. If you don’t need a meal on board, you can let us know through the JAL website before your departure. Please use this service when you would like to rest without any interruptions during the flight, or help us reduce food waste. さまざまなお客さまのご要望に沿ったサービスを提供できるよう、新たな取り組みとして、機内食が不要であることを事前に申し込めるサービス「JAL Ethical Choice 〜 Meal Skip Option 〜」を一部路線において開始いたしました。機内食が不要な場合、ご出発前に JAL Web サイトよりお申し込みいただけます。機内でゆっくりお休みになられたい場合や、食品廃棄削減にご協力をいただける場合はぜひご利用ください。

The JAL group will continue to take on the challenge of designing new services to diversify your options for your journey. JAL グループはこれからも、旅の選択肢を増やす新たなサービスの創出に挑戦してまいります。

【SDGs メニュー】 “Fumiko's Western Cuisine,” supervised by the culinary producer Fumiko Kono, is offered on the à la carte menu for long-haul f lights departing from Japan, with the theme of SDGs. These in-f light meals use ingredients of the future, selected with reference to the list of “50 Future Foods,” which Unilever and the World Wildlife Fund UK jointly compiled from the perspective of safety, nutritional values, and other factors of sustainability. 日本発長距離線アラカルトメニューにて、料理プロデューサー狐野扶実子氏監修の「フミコの洋食」を SDGs をテーマにしてご提供しています。ユニリーバ社と英国 WWF（世界自然保護基金）が、安全性や栄養価などの観点から提唱する持続可能な「未来の食材 50」のリストを参考に、未来の食材をテーマとした機内食をご提供します。

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SPECIAL FEATURES The summer issue also features special materials dedicated to the bright blue colours of the summer sky. Dyeing and weaving artist and essayist Fukumi Shimura, specialising in textile art, represents the so-called “Japan Blue” tradition in her work.

As a final stop in our summer journey, we conclude with a visit to the seaside resort of

Hoshinoya in Okinawa where we explore the culture, history and natural landscapes of this magical place.

夏号には、夏の空の鮮やかなブルーに捧げられた特別な素材も掲載されています。染織家であり、随筆家である志村ふくみは、いわゆる「ジャパンブルー」の伝統を表現しています。夏の旅の最後の目的地として、沖縄の海辺のリゾート、星のや沖縄をご紹介します。この神秘的な場所の文化、歴史、自然の風景をお楽しみいただけます。

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SUMMER FEATURES

FUKUMI SHIMURA

HOSHINOYA OKINAWA

Summer

Japan Blue - Sacred Indigo ジャパンブルー - 神聖な藍 TEXT Shoji Shimura, Representative of atelier shimura アトリエシムラ代表志村昌司

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FUKUMI SHIMURA Dyeing and weaving artist; essayist

Fukumi Shimura 志村ふくみ Photo ／高嶋克郎掲載／「美しいキモノ」春号№ 243

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1924 年に滋賀県・近江八幡で生まれ。柳宗悦の民藝思想に影響を受け、31 歳で染織の道に入りました。日本古来の「草木染め」と当時普段着であった「紬織（つむぎおり）」を通して美を探求し、芸術の域にまで高めました。その功績が認められ、1990 年に重要無形文化財「紬織」保持者に認定、2016 年には文化勲章を受章しています。近年では、フランス・パリやドイツ・ベルリンでも展覧会を開催。2013 年には、娘・志村洋子、孫・志村昌司とともに芸術学校アルスシムラを創設、後進の育成に力を入れています。

染織家・随筆家

志村ふくみ

Born in 1924 in Ōmihachiman, Shiga Prefecture, Shimura was influenced by the mingei (folk craft) movement of Yanagi Sōetsu and decided to pursue the path of the textile artist when she was thirty-one years old. She sought to express beauty through the traditional Japanese techniques of kusaki-zome (natural dyeing) and tsumugi-ori (slub-woven silk fabric) which was used for everyday wear at the time, and she sublimated her work into an art form. For her achievements, she was officially recognized as a Preserver of the Important Intangible Cultural Property (popularly known as Living National Treasure) of Tsugumi-ori in 1990, and she was awarded the Order of Culture in 2016. In recent years, she has held exhibitions overseas as well, including in Paris, France and Berlin, Germany. In 2013, she established the art school Ars Shimura with her daughter, Yoko Shimura, and her grandson, Shoji Shimura, to encourage the growth of younger generations.

“Autumn Mist” Fukumi Shimura, 1958, Dye: Indigo 「秋霞」志村ふくみ 1958 染料：藍 Photo/ Paris exhibition flyer

ATELIER SHIMURA Led by Shoji Shimura, grandson of Fukumi Shimura, artists of the next generation have created this dyeing and weaving brand with the aim of spreading knowledge about the colorful world of plant dyes to the present society. While valuing the traditional culture of Japan, such as kimono, the collective is always exploring the meaning of beauty in today’s world. We are creating and selling products with the overarching theme of “embracing nature and art in the everyday.”

アトリエシムラ

染織家・志村ふくみの孫・志村昌司を中心とした次世代によって、植物の色彩世界を今に伝えていきたいという思いから生まれた染織ブランドです。着物をはじめとする日本の伝統・文化を継承しつつも、現代における「美とは何か」を考え問い続けています。「自然と芸術を日常に取り入れる」をテーマに制作、販売を行っています。

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Indigo (ai) is at the heart of atelier shimura’s dyeing. During the Meiji Restoration, foreigners from overseas were astounded by the sheer beauty of Japanese indigo and praised it as “Japan blue.” Japanese indigo is unparalleled in the richness of its tonal qualities and in its spiritual significance.

藍建て

AIDATE: RAISING INDIGO

To prepare the indigo for dyeing, we use the traditional method of natural foam fermentation that we inherited from Fukumi and Yoko Shimura over

“Blue Indigo” atelier shimura, Dye: Indigo 「青藍」アトリエシムラ染料：藍 Photo/ 刑部信人

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generations. Following the lunar calendar, we begin the process with the new moon. We pray to the Matsunoo Taisha, a Shinto shrine in Kyoto that worships the deity of the moon, Tsukuyomi-no-Mikoto. In a special indigo urn, we blend in the sukumo, a dye made from the fermented leaves of the indigo plant from Tokushima Prefecture; the foam; lime; and Japanese sake, and we mix it every day. The process of indigo is like raising a child: each urn has its own personality, and there is no set

manual to follow. The only thing we can count on are our five senses. During the aidate process, we are constantly alert to the subtlest changes in colour, lustre, scent, temperature, texture, and so on. Some days after this process of aidate (literally “raising indigo”), air bubbles called “indigo flowers” start to blossom, and from around the full moon, the full dyeing begins. We slowly submerge silk threads in the indigo urn, let them swim in ample time

and space, then lift them up. As soon as the threads touch the air, they turn a mystical shade of emerald green, but in no time at all, the colour changes into indigo blue. In natural plant dye, it’s not possible to create green directly, but indigo dyeing gives us a momentary glimpse of this elusive green. We call this phenomenon “the mystery of green.” Indigo has its own life cycle: from its birth to its youth, to its prime and its old age, all the way to its last breath, the tones of

colour change over time. In its early years, from birth to youth, it creates a youthful, translucent blue; in its prime, a weighty, solid blue; in its old age, the colour gradually grows lighter, approaching a colourless colour, until it reaches the end of its life, when it doesn’t dye anything at all. When you work on dyeing everyday, you witness an infinite variation in the gradation of indigo. We often weave in a technique called “Ai no bokashi” (indigo shading), and this effect is thanks to the subtle gradation

of indigo dye. In Japan, there are many names for the numerous shades of colour that indigo can create. Even if we name just the representative ones from darker shades to lighter, there are plenty: nōkon (navy blue), kon (azure blue), ai-iro (indigo), hanada-iro (cerulean), asagi-iro (teal), mizu-asagi (light teal), kame-nozoki (light blue). Just from this range of words, it is clear how deeply indigo has taken root in Japanese life and culture. The process of indigo from harvesting to weaving 藍の収穫から織りまでの工程 ① Harvesting indigo plants 藍の収穫 ② Inside the urn 甕の中 ③ Dyeing 染め

①

④

④ Threads 糸 ⑤ The warp (vertical threads) 経糸 ⑥ Weaving 織り

②

⑤

③

⑥

アトリエシムラの染めの中心は藍です。かつて明治維新のときに海外からきた外国人は、あまりにも美しい日本の藍をみて「ジャパン・ブルー」と称賛しましたが、日本の藍ほど色相が豊かで、精神性の高い藍は世界に類を見ないほどです。

りますが、あっという間に藍色に変化していきます。草木染めでは、直接緑色は染まらないのですが、藍染めでは瞬間的に緑色を私たちに見せてくれます。私たちはこの現象を「緑の不思議」と呼んでいます。

藍建ての仕方は、志村ふくみ、洋子から代々継承した伝統的な天然灰汁（あく）発酵建てによるもので、太陰暦に従って新月から建て始めます。京都・松尾大社の月読尊（つくよみのみこと）に合掌し、藍の葉を発酵させた徳島の蒅（すくも）、灰汁（あく）、石灰、日本酒を藍甕に入れて、毎日混ぜていきます。藍は子育てのようなもので甕ごとに人格が異なるので、マニュアルというものが存在せず、私たちの五感だけが頼りです。藍建て中は、常に色や艶（つや）、匂い、温度、手触りなどを確認し、微妙な変化も見逃さないようにしています。

藍にはそれぞれの一生があり、誕生から青年、壮年、老年、そして終焉まで、色相が変化していきます。誕生から青年期までは、若々しい透明感のある青色、壮年期は安定感のあるどっしりした青色、老年期はだんだんと色が薄くなり、色なき色へと近づいていき、終焉を迎えると、まったく染まらなくなります。毎日染めていると、無限の藍のグラデーションを目にすることになります。私たちは「藍のぼかし」という織りをよくしますが、これも藍のグラデーションのおかげです。

藍建てから数日経つと、藍の華（はな）と呼ばれる気泡がだんだんと咲き、満月のころから本格的に染め始めます。藍甕に白い絹糸をゆっくりと浸し、存分に泳がし、そして引き揚げます。糸が空気に触れた瞬間、神秘的なエメラルドグリーンにな

日本には、藍の生み出すさまざまな色相に合わせて、たくさん色名があります。代表的なものだけでも、濃いものから順番に、濃紺、紺、藍色、縹色（はなだいろ）、浅葱色（あさぎいろ）、水浅葱、甕のぞきがあります。これだけみても、藍がいかに日本の生活や文化に深く根付いているかがよくわかります。 Gen de Art June 2022

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夏の着物文化

The Culture of Kimonos in Summer

Summer kimonos are commonly hitoe in June and September; ro, sha, and a light garment called jōfu in July and August. Hitoe refers to a kimono without a lining, so they are lighter than awase (a lined kimono), distinguished by their airy quality. Ro and sha are silk kimonos that are woven in a special technique called mojiri-ori; to use a term from Western clothing, they are see-through. Jōfu is a kimono made from hemp cloth, and famous examples include the Echigo-jōfu and the Miyako-jōfu. In the height of summer, people often wear yukata. Yukata used to be called “yukatabira” (a compound of “bath” and “unlined clothing”), and it was worn after bathing in the Edo Period. After the Meiji Era, luxury yukata began to circulate, and it became common for people to wear yukata when they went out, such as for summer festivals, Obon festival dances, or enjoying the cool evening breeze. Yukatas are often made from indigo-dyed cotton, and there are many ways of dyeing them, from kata-zome to shibori-zome. One of the reasons why indigo became so popular for the yukata is that cotton absorbs the dye very well, and the colour patterns made from indigo and white appealed to the Japanese people. They say “Raising indigo is the same as having a child. Indigo embodies the personality and character of the maker themselves.” It is a sacred vocation. We are able to give birth to the beauty of Japanese indigo, the Japan blue, because we accept the workings of nature while we protect and cultivate the life of indigo. 夏の着物といえば、６月、９月は単衣（ひとえ）、７月、８月は絽（ろ）、紗（しゃ）、上布（じょうふ）といった薄物（うすもの）ということになります。単衣とは裏地がついていない着物のことで、袷（あわせ）の着物よりも軽く、風通しがよいのが特徴です。絽や紗は、特殊な織り方（もじり織り）をした絹の着物で、洋装でいうとシースルーになります。上布（じょうふ）は麻の着物で、越後上布や宮古上布が有名です。盛夏では浴衣（ゆかた）を着ることも多くなります。浴衣はもともと「湯帷子（ゆかたびら）」という言葉から転じたもので、江戸時代では風呂上がりに着用されていました。明治時代以降、高級浴衣が流通しはじめると、夏祭りや盆踊り、夕涼みなど外出時にも着るようになりました。浴衣は木綿に藍染めをしたものが多く、その方法も型染めや絞り染めなどさまざまです。吸湿性のよい木綿生地であることと、藍と白という色柄が日本人に好まれることが浴衣人気の理由でしょう。「藍を建てることは子供を一人持ったと思わねばならない。藍はその人の人格そのものである」と言われるほど、藍染めは神聖な仕事です。自然の法則に従い、藍の生命を守り育てることが、ジャパン・ブルーと呼ばれる日本の藍の美しさを生み出しているのです。

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“Shima” Fukumi Shimura, 2021, Dye: Indigo, onion 「志摩」志村洋子 2021 染料：藍、玉葱

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SUMMER FEATURES

A Seaside Resort Full of Okinawa Most Luxuries HOSHINOYA Okinawa

FUKUMI SHIMURA / HOSHINOYA OKINAWA View of the HOSHINOYA Okinawa guest rooms from the seaside 海からの「星のや沖縄」客室外観

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沖縄で最も贅沢な海岸線に沿うリゾート

星のや沖縄

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HOSHINOYA offers a transformative holiday of “captivating rest” away from the humdrum of the everyday through their resorts, each designed with creative themes. Their locations, both in and outside Japan, weave in the joy of experiencing the essence of the region’s natural features, history, culture, and so on, liberating visitors from their day-to-day life. On the 1st of July, 2020, HOSHINOYA opened yet another charming attraction as its eighth location in the village of Yomitan in Okinawa Prefecture. The “Gusuku* Villa” stretches over the coastal line, encircled by a “gusuku wall,” which took inspiration from gusuku, the archaeological remains of Okinawa. In this space that gathers the luxuries of Okinawa, visitors can unwind and spend their days gazing at the sea. *Gusuku refers to archaeological remains in places such as Okinawa and the Amami Islands. Many of them have walls made of Ryukyuan limestone, which used to surround wooden buildings.

「夢中になるという休息」をコンセプトに、施設ごとの独創的なテーマで、圧倒的非日常を提供する「星のや」。国内外に展開する各施設は、その土地の風土、歴史、文化などの本質を識る喜びを滞在に織り込み、訪れた人を日々の時間の流れから解き放ちます。そんな魅力溢れる「星のや」の 8 施設目として、2020 年 7 月 1 日、沖縄県・読谷村に「星のや沖縄」が開業しました。コンセプトは「グスク * の居館」。敷地は美しい海岸線に沿うように広がり、沖縄の史跡「グスク」からインスピレーションを得て作られた「グスクウォール」に囲まれています。沖縄の贅沢を集めた空間の中で、海を眺めて暮らすように滞在することができます。 * 沖縄や奄美諸島に残されている史跡のこと。多くは琉球石灰岩を使った壁に囲まれており、中に木造の建物などがあった。

＜ Twilight Performance ＞ As the colours of the sky change in twilight, there will be a different performance each day by the pool: vibrant Ryukyu dances, the lovely melodies of singing and sanshin (an Okinawan string instrument), and impressive demonstrations of Ryukyu karate. ＜宵の座＞空の色が移り変わる宵の頃、プールサイドでは華やかな琉球舞踊、心地よい音色が響く歌三線の演奏、迫力ある琉球空手の演武を、日替わりで披露します。

＜ Learning on the Island: Ryukyu Karate ＞ Karate is a mar tial ar t that originated in Okinawa. It developed from a combination of martial arts from old Ryukyu, China, and mainland Japan. During your stay, you can discover the philosophy of karate, which is also beneficial for everyday life, while learning basic forms in the on-site dojo. ＜島の手習い～琉球空手～＞空手とは琉球古来の武術に、中国武術と日本本土の武術とが融合して生まれた、沖縄発祥の武道。敷地内の道場で基本の型を習いながら、日常にも活かせる空手の思想を学びます。

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“Umikaji” Sea Breeze Cruise Check-in: catamaran yacht 海風 ( うみかじ ) クルーズチェックインカタマランヨット

SUMMER ATTRACTIONS AT HOSHINOYA OKINAWA 「星のや沖縄」で楽しめる夏のアクティビティ Dates: 1 June – 31 August 2022

“Umikaji” Sea Breeze Cruise Check-in: teatime 海風 ( うみかじ ) クルーズチェックインティータイム

“‘Umikaji’ Sea Breeze Cruise Check-in”

“Umikaji” Sea Breeze Cruise Check-in 海風 ( うみかじ ) クルーズチェックイン

Star t your resor t stay with a refreshing private cruise. With the “‘Umikaji’ Sea Breeze Cr uise Check-in,” you can ta ke a private catamaran yacht from a harbour near the airport towards HOSHINOYA Okinawa by the coast. In this cruise of about two hours, with staff from HOSHINOYA Okinawa to welcome you, you can check in on board and enjoy an indulgent tea time with sweets made from tropical fruits. Upon arrival in HOSHINOYA Okinawa, you can immediately head to the sea. Feel the sea breeze on your whole body on this private cruise that is sure to leave you feeling invigorated.

「海風 ( うみかじ ) クルーズチェックイン」爽快なプライベートクルーズで始まるリゾート滞在「海風 ( うみかじ ) クルーズチェックイン」は空港からほど近い港から貸し切りのカタマランヨットに乗り、海岸線沿いにある星のや沖縄へ向かいます。星のや沖縄のスタッフがもてなす約 2 時間の船旅では、船上でチェックインの手続きを行う他、トロピカルフルーツのスイーツを味わう優雅なティータイムをお楽しみいただけます。沖縄に到着後、いち早く海に向かい、海からの風を全身で感じることができるプライベートクルーズは爽快感に満ち溢れます。

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“Mīkufayā” Fruity Breakfast: fruit green tea み―くふぁやー果実朝食フルーツ緑茶

Guest room Haru balcony 客室ハルテラスリビング

“‘Mīkufayā’ Fruity Breakfast” From appet izer to desser t , t he ‘Mī k u fayā’ * Fr uit y Breakfast” offers a lavish assortment of tropical fruits. Using many kinds of seasonal fruits unique to Okinawa, this specia l brea k fast w ill wa ke you up w ith their flagrance and colour. The breakfast is delivered the day before and finished at your favourite timing. Enjoy your breakfast from your room with a gorgeous view of the sea, listening to the sound of the waves. *Mīkufayā’* means “something to wake up” in Okinawan.

「みーくふぁやー果実朝食」

“Mīkufayā” Fruity Breakfast み―くふぁやー果実朝食

* みーくふぁやー = 沖縄の言葉で「目覚めさせる」という意味

“Spectacular Kayak Journey” In the “Spectacular Kayak Journey,” you c a n k aya k a rou nd a l l k i nd s of pl ace s with magnif icent views that lie hidden in the coastline. A private cruiser takes you to each location. From there, you’ll visit breathtaking viewpoints dotting the coastline just accessible by kayak. Only from a kayak can you gaze at the rich sea of Okinawa and the beautiful coastline, still natural and untouched. Explore the diverse scenery unfolding around you in the sea of Okinawa; experience the magnificent nature and mystic atmosphere.

前菜からデザートまで南国らしい果実をふんだんに使用した「みーくふぁやー * 果実朝食」は沖縄の夏ならではの種類豊富な旬の果実を使用し、その香りや彩りで目覚めていくような特別朝食です。前日に届けられ、好きなタイミングで仕上げて頂く朝食は、客室から臨む海の様子や波音を楽しみながら味わえます。

Spectacular Kayak Journey 絶景カヤックジャーニー

「絶景カヤックジャーニー」海岸線に潜む多様な絶景地を巡る「絶景カヤックジャーニー」では、各ポイントへは貸切クルーザーで向かった後、海岸線に点在するカヤックでしか辿り着くことができない絶景のポイントへ訪れることができます。沖縄の豊かな海、自然のままの姿を残した美しい海岸線を海上からも眺めることができるのも、カヤックならではの体験です。沖縄の海に広がる多様な絶景を巡り、壮大な自然や神秘的な世界をご体感ください。

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Gen de Art No. 8

GEN DE ART 創刊者 Founder 源之玄 Gen no gen

SUMMER

2022.6.20 発行 ISBN978-4-9912332-3-4

発行元 Publisher 一般社団法人東京銘酒協会 Tokyo Fine Wines and Spirits Association

松本

編集長 Editor in Chief オリビア Olivia Matsumoto ダニエル Daniel 副編集長 Deputy Editor 福澤靜香 Shizuka Fukuzawa 吉田カリ Kari Yoshida

アート・ディレクター Art Director スースー Sue Su デザイン・ディレクター Design Director ケリーウォン Kary Wong マーケティング・ディレクター Marketing Director 伊藤雄一 Yuichi Ito エグゼクティブ・ディレクター Executive Director ハリザー Herliser テキスト・エディター石水典子藤真唯鎌田智子マリアコルニエンコ

Text Editor Noriko Ishimizu Yui Touma Tomoko Kamada Maria Kornienko

翻訳者安藤優子梶田唯カサンドラロード

Translators Yuko Ando Yui Kajita Cassandra Lord

アート責任者 Art Officer ポリー Polly 制作責任者 Production Officer レナ Renna デジタル責任者 Digital Officer サイラス Cyrus 写真提供者 Contributing Photographers アイミ Aimee 鷹啄涼太 Ryota Takahashi 海外事業担当ディレクター Overseas Business Development Director リーウェン Li Wen クリエイティブ・ディレクター Creative Director ダバオ Da Bao ギナ Gina ジェネラル・アシスタント General Assistant 野中美咲 Misaki Nonaka アシスタント上田美穂伊藤伽奈ジェシカマーカススペシャルサンクスオリヴィエ・クリュッグ ( クリュッグ ) マキシム・シュルラン ( ドメーヌ・ジョルジュ・ノエラ ) オリヴィエ・バーンスタイン ( オリヴィエ・バーンスタイン ) 大西勲黒田征太郎大林剛郎 ( 株式会社大林組 ) 国際芸術祭あいち 2022 武田双雲神田裕行 ( かんだ ) 加山賢太 ( マルゴット・エ・バッチャーレ ) 日本航空株式会社志村ふくみ星のや沖縄

Assistant Miho Ueda Kana Ito Jessica Marcus Special thanks Krug, Olivier Krug Domaine Georges Noëllat, Maxime Cheurlin Olivier Bernsten, Olivier Bernstein Isao Onishi Seitaro Kuroda Obayashi Corporation, Takeo Obayashi Aichi Triennale 2022 International Art Festival Souun Takeda Kanda, Hiroyuki Kanda Margotto e baciare, Kenta Kayama Japan Airlines Co., Ltd. Fukumi Shimura HOSHINOYA Okinawa

Address: 8/F, 3-8, Kioicho, Chiyoda-ku, Tokyo, Japan 住所 : 東京都千代田区紀尾井町 3-8 第二紀尾井町ビル 8F Tel: +81 03 6822 8518 Email: contact@gendeart.jp Website: www.tfwsa.or.jp Gen de Art June 2022

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GEN DE ART Publisher Tokyo Fine Wines and Spirits Association

発行元一般社団法人東京銘酒協会

Addr es s : 8/F, 3- 8, Ki oi c ho, C hi y oda- k u, Tok y o, J a p an : 東京都千代田区紀尾井町 3-8 第二紀尾井町ビル 8 F 住所

Em a il : c o n t a c t @g e n de a r t. j p W e bsi t e : w w w . t f w s a . o r . jp

本体 1500 円

価格 1650 円

Printed in Japan by Shintendo Co., Ltd